Anna Hulačová är en tjeckisk skulptör vars arbete med levande bikolonier överskrider den samtida konstens gränser. På bikuporna placerar hon figurativa skulpturer i vars håligheter bina bygger vaxkakor — och anspelar därmed på forntida legender om andens odödlighet. Vi talade om känslorna i den skapande processen, om samlevnaden mellan två skulptörer under samma tak, om livet på landet med barn och om varför det viktigaste för en ung konstnär är att aldrig sluta skapa — även i ett kök på tio kvadratmeter.
Kan du beskriva ditt skapande arbete — hur du upplever det med hjärtat, känslomässigt? Vad ger skapandet dig på ett emotionellt plan?
För mig är skapandet en flykt från kaoset och allt som händer i världen — från familjen, politiken och de sociala relationerna. Samtidigt är det dock en ständig förbindelse med denna verklighet, eftersom jag i mitt arbete reagerar på den. Det har inget att göra med att fly från ansvar och problem. Det handlar just om att stämma in på en annan mental frekvens, som man når i den skapande glöden.
Så snart jag kommer igång med arbetet och inte behöver hantera de komplicerade tekniska procedurer som hör till, känner jag frihet — oavsett vilket material eller medium jag arbetar med. Denna mentala inställning är för mig en läkningsprocess för själ och kropp, det är jag absolut övertygad om. I själva verket är mitt sinne ofta redan inriktat på skapande även under vardagliga sysslor, men dessa idéfragment behöver antecknas och sorteras. Under full koncentration i den skapande processen vill jag ge dem en mer skiktad och poetisk form.
I dina skulpturer förekommer strukturer av vaxkakor som organiskt byggts av bin. Hur fungerar ditt samarbete med levande bikolonier? Vad symboliserar vaxkakorna oftast?
Temat bin och bivaxkakor i skulpturer har sysselsatt mig i ett decennium. Under de senaste åren har jag arbetat med bina genom att placera figurativa skulpturer på bikupornas övre våningar. Jag utnyttjar den naturliga tendensen hos en del av kolonin att expandera från kupans ursprungliga nedre nivåer uppåt, in i håligheten i skulpturens kropp, som bina bebor under säsongen.
Denna process är symbolisk och inspirerad av forntida trosföreställningar, biodlingspraxis och grekiska legender. Vaxkakorna som bina bygger inuti skulpturen ersätter inälvorna eller de vitala organen, eller kan symbolisera en materialiserad ande som en ursprunglig systematisk struktur i kroppen. I ansikts- och bukpartierna är håligheter urholkade — utrymmen som gör det möjligt för bina att expandera in i dessa delar. Under svärmsäsongen blir skulpturerna på så vis en levande del av bikuporna.
Vaxkakorna byggda i bukhåligheterna kan framkalla en hybrid organism — en ande född ur organen som symboliserar naturandens återkomst och det kommande livet genom den fysiska kroppens inälvor. Antikens greker och romare trodde att bin bosatte sig i och flög ut ur håligheter i stora djurs döda kroppar — som en förvandlande ande som stärker bandet mellan de levandes och de dödas värld, och vars ankomst säkerställer försoning och en god relation med gudarna och naturkrafterna i tider av ekologisk och civilisatorisk kollaps.
Även andra forntida kulturer förknippade bin som framträdde ur döda kroppars inälvor med andens odödlighet och dess återkomst till denna värld. Bin som «återvände» från kroppens håligheter betraktades som andar som steg upp ur dödsriket. Ett bi fött i organiska håligheter antar således fysisk form för att kunna medskapa och upprätthålla växtriket i blom, kretsloppet av frukterna vi äter och syret vi andas.
Konceptet med figurativa och organiska skulpturer i vars håligheter bin skapar vaxkakor är dessutom påverkat av forntida trosföreställningar inspirerade av legenden om Aristaios, nämnd i Vergilius Georgica. I samband med denna berättelse personifierade grekerna, romarna och andra kulturer biet och tillskrev dess existens övermänskliga andliga egenskaper.
Du är fast knuten konstnär vid det prestigefyllda galleriet Hunt Kastner, som efter tjeckiska mått arbetar ovanligt aktivt med sina konstnärer. Kan du beskriva hur du uppfattar detta samarbete och på vilket sätt det konkret hjälper dig? Medför tillhörigheten till ett galleri också nackdelar eller begränsningar?
Galleriet Hunt Kastner har representerat mig sedan 2015. Samma år hade jag min första separatutställning — med min då sex månader gamla dotter, medan Káča hjälpte mig genom att ta hand om barnet under installationen. Redan från början uppstod en utmärkt personlig relation mellan oss.
Det handlar inte bara om kommersiellt stöd. Även om försäljning av konst är målet för de flesta kommersiella gallerier, fokuserar detta galleri långsiktigt framför allt på att systematiskt etablera konstnärer och presentera dem för kuratorer och institutioner, vilket är mer avgörande för konstnärer i längden.
Du bor och arbetar i Klučov — vad betyder denna miljö för dig i förhållande till ditt arbete?
Vi flyttade till Klučov 2015. Det var snarare en nödvändighet att lämna Prag, men samtidigt stanna inom räckhåll. Det är faktiskt ett bra läge, för byn ligger vid en järnvägslinje och från centrala Prag tar det mig 40 minuter. Vi har inga rötter eller familjeanknytning här — vi behövde helt enkelt något eget. Framför allt jag med min dotter på några månader — under amningen kunde jag inte arbeta med större verk; jag behövde fortsätta på kvällarna, när barnet sov. Vi köpte i praktiken en ruin som inte ens banken ville ge oss lån för, eftersom vi verkligen var helt panka. Till slut gick det tack vare en rådgivare. Det här gamla huset renoverade vi under hela tio år, och det finns fortfarande saker att göra. I alla fall, när vi nu ser hyrorna i Prag, vet vi att det var rätt beslut. Det kunde vara bättre, men vi är nöjda.
Din partner Václav Litvan är också skulptör. Hur ser samlevnaden mellan två konstnärer under samma tak ut — och hur påverkar ni varandras arbete?
Václav är mitt största stöd och hjälper mig med barnuppfostran. De senaste åren har han faktiskt ägnat sig åt barnen mer än jag. Samtidigt är han en utmärkt skulptör — han studerade under Jan Koblasa, sedan under Jaroslav Róna, där vi träffades, och därefter under Jiří Příhoda. Hans arbete är mycket känsligt och progressivt, materialmässigt ofta mer ekologiskt än mitt, eftersom han arbetar med readymades som han ger en ny form där man knappast kan se att det ursprungligen var ett upphittat föremål.
Han medverkar ofta i mina projekt som assistent, och även om vi ibland är oense om vissa tekniska tillvägagångssätt, är hans förmågor ovärderliga. Vi har tydligt uppdelade roller för att kunna fungera under samma tak och samarbeta effektivt.
Har synlighet online hjälpt dig i din konstnärskarriär?
Det kan jag inte säga med bestämdhet. Synlighet online hjälper säkerligen de flesta konstnärer. Vad gäller sociala medier som Instagram är det idag kanske en nästan oumbärlig del av varje ung bildkonstnärs verksamhet.
Jag började använda Instagram relativt sent — och jag tror inte att det i grunden påverkar min professionella bana. Det finns konstnärer som inte alls använder sociala medier och ändå fungerar mycket framgångsrikt. Gallerierna och institutionerna sköter dock kommunikationen åt dem, eftersom synlighet online idag har blivit en utbredd och i grunden oundviklig praxis inom hela konstspektrumet.
Vilket budskap skulle du vilja ge till studenter och nyutexaminerade från konstakademier som strävar efter att etablera sig professionellt?
Jag ger ogärna råd om hur man ska fungera eller vilken väg man ska ta. Var och en av oss har sin egen utvecklings- och skapandeväg. Generellt kan jag bara säga en sak — försök att fortsätta skapa så mycket som möjligt, även om det idag blir allt svårare att klara sig ekonomiskt.
Hyrorna är höga, och om man dessutom betalar för en ateljé, tjänar man ofta bara tillräckligt för att täcka kostnaderna, utan tid eller energi kvar för konstnärligt skapande. Men om man vill fortsätta måste man skapa hur som helst och var som helst, och försöka undvika onödigt höga levnadskostnader — särskilt om man, som min man och jag, kommer från en blygsam bakgrund.
Som nybliven mamma arbetade jag till exempel ett halvår efter förlossningen i en enrumslägenhet, i ett kök på tio kvadratmeter, sedan i ett utrymme på tolv meter. När vi byggde ateljén skulpterade jag i praktiken i leran vid husets grund, utomhus och i kylan, dessutom under amningsperioden för vår andra dotter — det vill säga bara i de stunder inom räckhåll för babyvakten, när barnet sov intill i huset. Jag tror att det i början är viktigt att anpassa sig till sådana förhållanden för att inte behöva bära onödiga utgifter, även om det verkligen är tufft.
En annan sak är också att inte vara rädd för att resa och röra sig i miljöer utanför den tjeckiska. Det är mycket viktigt. Det finns egentligen många sådana saker, och ärligt talat — i dagens värld, som blir alltmer mättad av bildkonst, är det för en ung konstnär verkligen mycket svårt att etablera sig och vara konkurrenskraftig. Man måste ha ett eget, omisstagligt språk och gång på gång överträffa sig själv. I varje fall är det i varje svårt ögonblick eller traumatisk situation just skapandet som är den plats där man kan ta sin tillflykt och finna fotfäste.
Tack för intervjun, Anna!
