Anna Hulačová é uma escultora tcheca cujo trabalho com colônias vivas de abelhas ultrapassa as fronteiras da arte contemporânea. Ela instala esculturas figurativas sobre as colmeias, e nas cavidades dessas esculturas as abelhas constroem favos – uma referência a lendas antigas sobre a imortalidade do espírito. Conversamos sobre as emoções na criação, a convivência de dois escultores sob o mesmo teto, a vida no campo com os filhos e sobre por que o mais importante para um artista iniciante é não parar de criar – nem que seja em dez metros quadrados. Embora no dia a dia nos tratemos de forma informal, para esta entrevista adotamos um tom mais formal.
Você consegue descrever sua produção, o modo como a vive com o coração, no plano do sentimento? O que a criação dá a você emocionalmente?
Para mim a criação é uma fuga de toda a confusão e de tudo o que acontece no mundo – da família, da política, das relações sociais. Ao mesmo tempo, porém, é uma conexão permanente com essa mesma realidade, porque é a ela que respondo no trabalho. Isso não tem nada a ver com fugir de obrigações e problemas. É justamente uma sintonia com outro estado de espírito, aquele em que se entra no momento do entusiasmo do trabalho.
Assim que começo a trabalhar e não estou lidando com os procedimentos técnicos complicados que o trabalho envolve, sinto liberdade – não importa com que material ou meio eu esteja trabalhando. Essa sintonia da mente é para mim um processo de cura para a alma e para o corpo, e disso tenho absoluta convicção. Na verdade, minha mente muitas vezes está sintonizada na criação mesmo durante as tarefas cotidianas, mas esses fragmentos de ideias precisam ser anotados e depois selecionados. Com a concentração total, durante o processo de criação em si, quero então dar a eles uma forma mais estratificada e mais poética.
Em sua obra escultórica aparecem favos construídos pelas abelhas, integrados de forma orgânica. Como funciona sua colaboração com as colônias vivas? O que os favos costumam simbolizar?
O tema das abelhas e dos favos na escultura me ocupa na última década. Nos anos anteriores, eu trabalhava com as abelhas instalando esculturas figurativas nos andares superiores das colmeias. Aproveito a tendência natural de parte da colônia de se expandir dos andares inferiores da colmeia para cima, até a cavidade no corpo da escultura, que elas habitam durante a temporada.
Esse processo é simbólico e se inspira em crenças antigas, em práticas da apicultura e em lendas gregas. Os favos construídos pelas abelhas dentro da escultura substituem as vísceras ou os órgãos vitais, ou podem simbolizar o espírito materializado como estrutura sistemática primordial dentro do corpo. Nas regiões do rosto e do ventre são escavadas cavidades – espaços que permitem a expansão das abelhas até essas partes. Assim, na época da enxameação, as esculturas se tornam parte viva das colmeias.
Os favos construídos nas cavidades abdominais podem evocar um organismo híbrido – um espírito nascido dos órgãos, que simboliza o retorno do espírito da natureza e a vida que chega pelas entranhas do corpo físico. Os antigos gregos e romanos acreditavam que as abelhas habitam as cavidades dos corpos mortos de grandes animais e saem delas como um espírito em transformação, que reforça o vínculo entre o mundo dos vivos e o dos mortos e cuja chegada garante a reconciliação e a boa relação com os deuses e as forças naturais em tempos de colapso ambiental e civilizacional.
Outras culturas antigas também associavam as abelhas que emergem das entranhas dos corpos mortos à imortalidade do espírito e a seu retorno a este mundo. As abelhas que “voltavam” das cavidades corporais eram vistas como espíritos que se erguem do reino dos mortos. A abelha nascida em cavidades orgânicas assume assim uma forma física para poder cocriar e sustentar o reino vegetal em flor, o ciclo dos frutos que comemos e do oxigênio que respiramos.
O conceito das esculturas figurativas e orgânicas em cujas cavidades as abelhas constroem favos é ainda influenciado por crenças antigas inspiradas na lenda de Aristeu, mencionada nas Geórgicas de Virgílio. Em conexão com essa história, gregos, romanos e outras culturas personificaram a abelha e atribuíram à existência dela qualidades espirituais sobre-humanas.
Você é uma das artistas representadas pela Hunt Kastner, galeria de primeira linha que trabalha com seus artistas de um modo excepcionalmente ativo para os padrões tchecos. Você pode contar como enxerga essa parceria e em que ela ajuda concretamente? Pertencer a uma galeria traz também desvantagens ou limitações?
A Hunt Kastner me representa desde 2015. Foi justamente nesse ano que montei ali minha primeira exposição, com minha filha de seis meses, e durante a montagem a Káča me ajudou tomando conta dela. Assim, desde o começo se criou entre nós uma relação pessoal muito boa.
Não se trata apenas de apoio comercial. A venda de obras é, sim, o objetivo da maioria das galerias comerciais, mas essa galeria busca há muito tempo, antes de tudo, consolidar os artistas de forma sistemática e apresentá-los a curadores e instituições, o que, no longo prazo, é mais decisivo para o artista.
Você vive e trabalha em Klučov – o que esse ambiente significa para você em relação ao trabalho?
Mudamos para Klučov em 2015. Para nós foi mais uma necessidade de sair de Praga, mas continuar por perto. Na verdade é uma boa localização, porque fica na linha de trem e do centro de Praga chego aqui em 40 minutos. Não temos aqui nenhuma raiz nem laço de família, simplesmente precisávamos de um lugar nosso. Ou melhor, eu principalmente, com uma filha de poucos meses – no período de amamentação eu não conseguia trabalhar em obras maiores, quando precisava continuar à noite, com a criança dormindo. Compramos o que era praticamente uma ruína, para a qual nem o banco queria emprestar, porque estávamos realmente duros. No fim deu certo, com a ajuda de um consultor. Passamos dez anos inteiros reformando essa casa velha e ainda há o que fazer. De todo modo, agora, quando vemos os preços dos aluguéis em Praga, dá para ver que foi uma boa escolha. Poderia ser melhor, mas estamos satisfeitos.
Seu companheiro Václav Litvan também é escultor. Como é a convivência de dois artistas sob o mesmo teto – e como vocês se influenciam no trabalho?
O Václav é meu maior apoio e me ajuda a criar os filhos. Nos últimos anos, na verdade, ele se dedica mais a eles do que eu. Ao mesmo tempo é um escultor excelente – estudou com Jan Koblasa, depois com Jaroslav Róna, onde nos conhecemos, e em seguida com Jiří Příhoda. O trabalho dele é muito sensível e progressivo, muitas vezes mais ecológico do que o meu na escolha dos materiais, porque ele trabalha com readymades e dá a eles uma forma nova, na qual poucos reconhecem que se tratava originalmente de um objeto encontrado.
Ele colabora com frequência nos meus projetos como assistente e, embora às vezes não concordemos sobre alguns procedimentos técnicos, as habilidades dele são inestimáveis. Temos papéis claramente divididos, para que possamos funcionar sob o mesmo teto e colaborar de forma eficaz.
A visibilidade on-line ajudou de alguma forma sua carreira artística?
Isso eu não consigo dizer com clareza. Ganhar visibilidade on-line com certeza ajuda a maioria dos artistas. Quando se trata de redes sociais como o Instagram, hoje isso talvez seja até uma parte indispensável do funcionamento de qualquer jovem artista visual.
Eu comecei a usar o Instagram faz relativamente pouco tempo – e não acho que isso influencie de forma decisiva o andamento da minha carreira. Existem artistas que não usam rede social nenhuma e mesmo assim funcionam com muito sucesso. As galerias e instituições, no entanto, assumem a comunicação no lugar deles, porque a visibilidade on-line se tornou hoje uma prática corrente e, no fundo, indispensável em todo o espectro artístico.
O que você diria a estudantes e recém-formados das academias de belas artes que têm ambição de vencer profissionalmente?
Não gosto de aconselhar ninguém sobre como deve funcionar ou que caminho deve tomar. Cada um de nós tem seu próprio caminho de desenvolvimento e de criação. Mas, de modo geral, eu diria uma única coisa – tentar continuar criando o quanto for possível, mesmo que hoje esteja cada vez mais difícil se sustentar financeiramente.
Os aluguéis são altos e, se além disso a pessoa ainda paga um ateliê, muitas vezes ganha apenas para cobrir os custos, e não sobra tempo nem energia para criar. Mas, se você quer continuar, é preciso criar de qualquer jeito e em qualquer lugar possível e tentar evitar custos de vida desnecessariamente altos – ainda mais se você vem de um meio menos abastado, como eu e meu marido.
Como mãe recente, por exemplo, seis meses depois do parto eu trabalhava numa quitinete, numa cozinha de dez metros quadrados, e depois num espaço de doze metros. Quando estávamos construindo o ateliê, eu trabalhava nas esculturas praticamente na lama, nos alicerces da casa, em condições frias ao ar livre, e ainda no período de amamentação da segunda filha – ou seja, só nos momentos ao alcance do sinal da babá eletrônica, com a criança dormindo no cômodo ao lado. Acho que no começo é importante se adaptar a condições assim, para não ter que arcar com gastos desnecessários, mesmo sendo realmente difícil.
Outra coisa é não ter medo de viajar e de se comunicar também com outros meios além do tcheco. Isso é muito importante. Na verdade são muitas coisas e, para ser sincera – no mundo de hoje, cada vez mais saturado de arte visual, é realmente muito difícil para um artista iniciante se firmar e ser competitivo. Você precisa ter uma linguagem própria e se superar de novo e de novo. De todo modo, em cada momento difícil ou situação traumática, é justamente a criação o lugar onde dá para se refugiar e no qual você pode se apoiar.
Agradecemos pela entrevista, Anna!
