Anna Hulačová es una escultora checa cuyo trabajo con colonias de abejas vivas trasciende los límites del arte contemporáneo. Sobre las colmenas coloca esculturas figurativas en cuyas cavidades las abejas construyen panales, evocando así antiguas leyendas sobre la inmortalidad del espíritu. Hablamos sobre las emociones en el proceso creativo, la convivencia de dos escultores bajo un mismo techo, la vida rural con hijos y sobre por qué lo más importante para un artista emergente es no dejar nunca de crear, aunque sea en una cocina de diez metros cuadrados.
¿Puede describir su trabajo creativo tal como lo vive emocionalmente, desde el corazón? ¿Qué le aporta la creación a nivel emocional?
Para mí, la creación es un escape de todo el caos y el devenir del mundo: de la familia, la política y las relaciones sociales. Al mismo tiempo, sin embargo, es una conexión permanente con esa realidad, porque respondo a ella en mi trabajo. No tiene nada que ver con huir de las responsabilidades y los problemas. Se trata precisamente de sintonizar con un estado mental diferente, al que uno accede en el ardor del trabajo creativo.
En cuanto me pongo a trabajar y no estoy lidiando con los complejos procedimientos tecnológicos que conlleva, siento libertad, independientemente del material o medio con el que trabaje. Esta sintonía mental es para mí un proceso sanador para el alma y el cuerpo, y estoy absolutamente convencida de ello. De hecho, mi mente está a menudo sintonizada con la creación incluso durante las tareas cotidianas, pero esos fragmentos de ideas hay que anotarlos y después seleccionarlos. Durante la plena concentración en el propio proceso creativo, quiero darles una forma más estratificada y poética.
En su obra escultórica aparecen estructuras de panales construidas orgánicamente por las abejas. ¿Cómo funciona su colaboración con colonias de abejas vivas? ¿Qué simbolizan los panales con mayor frecuencia?
El tema de las abejas y los panales en las esculturas me ocupa desde hace una década. En años anteriores trabajé con las abejas colocando esculturas figurativas en los pisos superiores de las colmenas. Aprovecho la tendencia natural de parte de la colonia a expandirse desde los niveles inferiores originales de la colmena hacia arriba, hacia la cavidad del cuerpo de la escultura, que habitan durante la temporada.
Este proceso es simbólico y está inspirado en creencias antiguas, prácticas apícolas y leyendas griegas. Los panales construidos por las abejas dentro de la escultura reemplazan las entrañas u órganos vitales, o pueden simbolizar un espíritu materializado como estructura sistemática primordial dentro del cuerpo. En las zonas del rostro y el abdomen se tallan cavidades —espacios que permiten a las abejas expandirse hacia estas partes. Durante la temporada de enjambrazón, las esculturas se convierten así en parte viva de las colmenas.
Los panales construidos en las cavidades abdominales pueden evocar un organismo híbrido —un espíritu nacido de los órganos que simboliza el retorno del espíritu de la naturaleza y la vida venidera a través de las entrañas del cuerpo físico. Los antiguos griegos y romanos creían que las abejas habitaban y emergían de las cavidades de los cuerpos muertos de grandes animales como un espíritu en transformación que refuerza el vínculo entre el mundo de los vivos y el de los muertos, y cuya llegada asegura la reconciliación y una buena relación con los dioses y las fuerzas naturales en tiempos de colapso ambiental y civilizatorio.
También otras culturas antiguas asociaban las abejas que emergían de las entrañas de los cuerpos muertos con la inmortalidad del espíritu y su retorno a este mundo. Las abejas que «regresaban» de las cavidades corporales eran vistas como espíritus que ascendían del reino de los muertos. Una abeja nacida en cavidades orgánicas adquiere así forma física para poder cocrear y mantener el reino vegetal en flor, el ciclo de los frutos que comemos y el oxígeno que respiramos.
El concepto de esculturas figurativas y orgánicas en cuyas cavidades las abejas crean panales está además influido por creencias antiguas inspiradas en la leyenda de Aristeo, mencionada en las Geórgicas de Virgilio. En relación con esta historia, los griegos, los romanos y otras culturas personificaron a la abeja y atribuyeron a su existencia cualidades espirituales sobrehumanas.
Usted es artista de plantilla de la prestigiosa galería Hunt Kastner, que trabaja con sus artistas de un modo excepcionalmente activo para los estándares checos. ¿Puede describir cómo percibe esta colaboración y en qué le ayuda concretamente? ¿La pertenencia a una galería conlleva también algún inconveniente o limitación?
La galería Hunt Kastner me representa desde 2015. Ese mismo año instalé allí mi primera exposición, con mi hija de seis meses, mientras Káča me ayudaba cuidándola durante el montaje. Desde el principio se forjó una muy buena relación personal entre nosotras.
No se trata solo de apoyo comercial. Aunque la venta de arte es el objetivo de la mayoría de las galerías comerciales, esta galería se ha centrado a largo plazo sobre todo en establecer sistemáticamente a los artistas y presentarlos a comisarios e instituciones, lo cual es más decisivo para los artistas a largo plazo.
Vive y trabaja en Klučov. ¿Qué significa este entorno para usted en relación con su trabajo?
Nos mudamos a Klučov en 2015. Fue más bien una necesidad salir de Praga, pero al mismo tiempo quedarnos a su alcance. En realidad es una buena ubicación, porque está en una línea de tren y desde el centro de Praga llego en 40 minutos. No tenemos raíces ni lazos familiares aquí; simplemente necesitábamos algo propio. Sobre todo yo, con mi hija de pocos meses: durante la lactancia no podía trabajar en piezas grandes; necesitaba continuar por las noches, cuando la niña dormía. Compramos prácticamente una ruina por la que ni el banco quería darnos un préstamo, porque estábamos completamente sin un céntimo. Al final lo conseguimos a través de un asesor. Esta vieja casa la estuvimos renovando diez años enteros y todavía queda trabajo por hacer. En cualquier caso, ahora que vemos los precios de los alquileres en Praga, sabemos que fue una buena decisión. Podría ser mejor, pero estamos contentos.
Su pareja, Václav Litvan, también es escultor. ¿Cómo es la convivencia de dos artistas bajo un mismo techo y cómo se influyen mutuamente en el trabajo?
Václav es mi mayor apoyo y me ayuda con la crianza de los hijos. En los últimos años, de hecho, se ha dedicado a ellos más que yo. Al mismo tiempo es un escultor excelente: estudió con Jan Koblasa, después con Jaroslav Róna, donde nos conocimos, y posteriormente con Jiří Příhoda. Su trabajo es muy sensible y progresivo, en lo material a menudo más ecológico que el mío, porque trabaja con readymades y les da una forma nueva en la que difícilmente se reconoce que originalmente era un objeto encontrado.
A menudo colabora en mis proyectos como asistente, y aunque a veces discrepamos sobre ciertos procedimientos técnicos, sus capacidades son invaluables. Tenemos los roles claramente repartidos para poder funcionar bajo un mismo techo y colaborar eficazmente.
¿Le ha ayudado la visibilidad online en su carrera artística?
No puedo decirlo de manera categórica. La visibilidad online sin duda ayuda a la mayoría de los artistas. En lo que respecta a las redes sociales como Instagram, hoy en día es quizá un componente casi indispensable del funcionamiento de todo joven artista visual.
Yo empecé a usar Instagram relativamente tarde, y no creo que influya de forma fundamental en mi trayectoria profesional. Hay artistas que no usan las redes sociales en absoluto y aun así funcionan con mucho éxito. Sin embargo, las galerías y las instituciones asumen la comunicación en su nombre, porque la visibilidad online se ha convertido hoy en una práctica habitual y, en esencia, imprescindible en todo el espectro artístico.
¿Qué mensaje les daría a los estudiantes y recién graduados de las academias de bellas artes que aspiran a triunfar profesionalmente?
No me gusta aconsejar a nadie sobre cómo funcionar o qué camino tomar. Cada uno de nosotros tiene su propio camino de desarrollo y de creación. En general, lo único que podría decir es: intentar seguir creando todo lo posible, aunque hoy en día sea cada vez más difícil salir adelante económicamente.
Los alquileres son altos, y si además se paga un taller, a menudo se acaba ganando solo para cubrir costes, sin tiempo ni energía para crear. Pero si se quiere continuar, hay que crear como sea y donde sea, e intentar evitar gastos de vida innecesariamente elevados, sobre todo si uno viene de un entorno poco acomodado, como mi marido y yo.
Como madre reciente, por ejemplo, medio año después del parto trabajaba en un estudio de una habitación, en una cocina de diez metros cuadrados, después en un espacio de doce metros. Cuando estábamos construyendo el taller, esculpía prácticamente en el barro de los cimientos de la casa, al aire libre y con frío, además durante el periodo de lactancia de nuestra segunda hija, es decir, solo en los momentos al alcance del vigilabebés, cuando la niña dormía al lado en la casa. Creo que al principio es importante adaptarse a esas condiciones para no tener que asumir gastos innecesarios, aunque sea realmente duro.
Otra cosa es también no tener miedo a viajar y a relacionarse con entornos más allá del checo. Eso es muy importante. En realidad hay muchas cosas así, y francamente, en el mundo actual, cada vez más saturado de arte visual, para un artista emergente es realmente muy difícil abrirse camino y ser competitivo. Hay que tener un lenguaje propio e inconfundible y superarse una y otra vez. En todo caso, en cada momento difícil o situación traumática, es precisamente la creación el lugar donde uno puede refugiarse y encontrar un punto de apoyo.
¡Gracias por la entrevista, Anna!
