Lukáš Karbus vive appartato nella Boemia settentrionale e dipinge acquerelli di grande formato che prendono forma lentamente, strato dopo strato. Dopo la chiusura della Polansky Gallery, lascia il futuro aperto. Abbiamo parlato della pratica quotidiana della pittura, dell'insegnamento in una scuola d'arte vetraria, dei social media e del perché la cosa più importante è semplicemente non smettere di dipingere.
Come sta in questi giorni? A cosa si sta preparando?
Sto bene. Alimento regolarmente la stufa.
La Polansky Gallery, che La rappresentava in esclusiva, ha chiuso - secondo il proprietario, per ragioni economiche. Può descrivere come e quando è nata la vostra collaborazione? Quali vantaggi e svantaggi comportava per Lei il rapporto con la galleria?
Ho conosciuto Filip Polanský undici anni fa; ci ha presentati Jiří Ptáček. Polanský aveva visto alcuni miei lavori e aveva manifestato interesse per una mostra. Mi diede un anno per prepararmi e dipingere nuove opere. Dopo la mostra ci accordammo per una collaborazione. Una galleria, per sua natura, cerca di lavorare con la tua produzione, trova clienti, organizza trasporti, assicurazioni o servizi fotografici - se non vivi in una grande città, questi servizi ti semplificano molto la vita. D'altro canto, dividere il cinquanta per cento o vendere esclusivamente tramite una galleria non è adatto a tutti, ma per me aveva senso.
Com'è una Sua giornata o settimana tipo adesso che non c'è più un gallerista a Praga che attende i Suoi quadri a intervalli regolari? È cambiato qualcosa nel modo in cui pensa a chi dipinge?
La mia giornata o settimana tipo segue il calendario scolastico (le vacanze scompaginano un po' tutto). Le sere sono riservate alla pittura; è così da diversi anni. Forse arriverà un cambiamento nel tempo che dedico a ogni quadro: sarà più lungo. A dire il vero, non tengo alcuna lista delle persone che hanno acquistato i miei lavori. Non dipingo e non scelgo i temi per un particolare gruppo di collezionisti. È sempre una decisione spontanea, anche se i temi spesso si concatenano.
Si sta occupando attivamente di come far arrivare i Suoi quadri ai collezionisti, o per ora lascia la cosa aperta?
Lascio aperto.
Per un periodo si è parecchio ritirato dai social media. Credo che su Facebook non ci sia affatto; ogni tanto pubblica su Instagram una foto sfocata dei fiori del Suo giardino, della legna spaccata o degli inviti a mostre. Come vede personalmente i social media e l'autopresentazione in rete?
Sì, probabilmente non dedico ai social tutto il tempo che servirebbe per un'adeguata autopromozione. Quando pubblico una foto o un invito su Instagram, riguarda ciò che mi succede attorno in quel momento. Ma non sento il bisogno di postare ogni due settimane. Non è poi questa gran cosa. È vero che a un certo punto ho valutato l'efficacia dei social media e sono arrivato alla conclusione che meno è meglio. La presentazione del mio lavoro era compito della galleria. Il futuro lo lascio aperto.
È evidente che preferisce la tranquillità alla costante autopromozione. Quella calma è importante per il Suo lavoro, oppure è più che altro che non vuole dedicare tempo ai social?
Entrambe le cose. E poi, in realtà non capisco bene come funzioni - non so come dovrebbe essere. Lo spazio tra il quadro e me dovrebbe essere il più breve possibile.
Lei insegna pittura in una scuola d'arte vetraria. Quali sono, a Suo avviso, le ambizioni e le motivazioni degli studenti d'arte di oggi? In cosa somigliano alla Sua generazione e in cosa si distinguono?
Entrano in gioco molti fattori. Il mix delle singole personalità è molto importante: quando la composizione funziona, è una gioia e favorisce la crescita personale di ogni studente. Altrimenti la comunicazione diventa più difficile. Non mi piace generalizzare... Le motivazioni o le ambizioni sono probabilmente simili, solo con contenuti diversi o scenari diversi. Le decisioni interiori arrivano di norma quando si è sicuri di sé; fino ad allora magari si "vuole" soltanto qualcosa. Cerco di avvicinarmi a ognuno in modo individuale, e nel corso degli anni ho incontrato una gamma davvero ampia di giovani personalità. Dai molto talentuosi e al contempo laboriosi fino ai completamente privi di talento e pigri. Il bello è che dopo tre anni tutto può essere diverso - credo che ognuno abbia i propri tempi.
La scuola, oltre a insegnare competenze artigianali, abilità personali e cose simili, deve essere soprattutto un ambiente di sostegno nel senso più ampio del termine. Considerare l'istruzione artistica secondaria un mero passaggio preliminare alla produzione di artigiani o artisti sarebbe stupido.
Qual è stato il Suo percorso verso la posizione di pittore affermato, e quali passi o approcci consiglierebbe anche oggi agli artisti alle prime armi?
Quel percorso comincia da qualche parte alle scuole superiori, poi la Facoltà di Belle Arti, un'esperienza lavorativa a Derby in Inghilterra, il lavoro in agricoltura e nel bosco, e infine l'insegnamento in una scuola d'arte. Ma non è stato un lancio fulminante, nessuna linea retta. In realtà, tutto quel cammino tortuoso è accompagnato da un interesse per la pittura. Le difficoltà in cui ci si imbatte naturalmente si affrontano meglio con la consapevolezza di avere un compito.
Agli artisti alle prime armi consiglierei di interessarsi all'arte. Nel corso di questa attività possono presentarsi diversi scenari. Si può studiare una forma d'arte all'università e magari scoprire che ci riguarda più di quanto pensassimo. Credo sia utile restare informati. Possono aiutare anche i vari premi per artisti visivi banditi regolarmente, la frequentazione dei vernissage, il lavoro e magari la costruzione di un profilo su qualche piattaforma sociale.
Ha ancora personalmente l'ambizione di raggiungere qualcosa nell'arte?
Sì, vorrei ancora dipingere qualcosa.
Nei Suoi acquerelli si avverte uno spostamento graduale dai paesaggi descrittivi verso un'astrazione sempre più marcata. Ha un qualche controllo su questa evoluzione, o avviene da sola? Dipingerebbe di nuovo qualcosa di più figurativo?
Alcuni quadri erano quasi astratti - intorno al 2022 è nata una serie del genere. C'è sempre una certa continuità; certi elementi diventano dominanti. Negli ultimi due anni c'è stato un po' di tutto, ma prevalgono le nature morte e i paesaggi.
Come vive l'attrito tra l'autentica creatività interiore e il rapporto esteriore con il successo, le vendite, la competizione artistica e la carriera?
Il successo di pubblico e le vendite sono importanti - senza di essi è frustrante. Sono contento quando qualcuno compra un quadro. In realtà percepisco il tutto come un insieme interconnesso. Che si parli di creatività autentica, competizione artistica, successo o carriera, è più o meno lo stesso: ciascuna di queste componenti rappresenta un punto di ancoraggio. Per me la cosa più importante è il tempo che trascorro a dipingere. E non sempre le cose vanno bene, né nel mondo esterno né dentro di sé. Per questo esistono i punti di ancoraggio.
Sembra quasi una pratica spirituale. Ha un rituale o un'abitudine che La aiuta a restare con i piedi per terra, sia nella pittura che nella vita in generale?
Quello che mi viene in mente è la continuità. I quadri nascono lentamente; aggiungo gli strati uno a uno, diluisco e addensco. Il rituale o l'abitudine è la pratica quotidiana.
Grazie per l'intervista!
