Lukáš Karbus vive isolado no norte da Boêmia e pinta aquarelas de grande formato que nascem devagar, camada por camada. Depois do fim da galeria Polansky, deixa o futuro em aberto. Conversamos sobre a prática diária da pintura, sobre o ensino numa escola do vidro, sobre redes sociais e sobre por que o mais importante é simplesmente não parar de pintar. Embora no dia a dia nos tratemos de forma informal, para esta entrevista adotamos um tom mais formal.
Como você está nestes dias? O que está preparando?
Estou bem. Mantenho o fogo aceso.
A Polansky Gallery, que representava você com exclusividade, fechou, segundo o proprietário, por razões econômicas. Você pode contar como e quando começou essa parceria? Que vantagens e desvantagens a parceria com a galeria trouxe para você?
Conheci o Filip Polanský há onze anos; quem nos apresentou foi Jiří Ptáček. Na época ele viu algumas coisas minhas e demonstrou interesse em fazer uma exposição. Me deu um ano para preparar e pintar quadros novos. Depois da exposição combinamos a parceria. A galeria naturalmente tenta trabalhar com aquilo que você produz, busca clientes, cuida de transportes, seguros ou fotografia; se você não mora numa cidade grande, esses serviços aliviam e ajudam bastante. Por outro lado, dividir 50 % ou vender as obras só pela galeria não é para todo mundo, mas para mim fazia sentido.
Como é seu dia ou sua semana comum agora, quando já não há um galerista em Praga esperando seus quadros em intervalos regulares? Mudou alguma coisa no modo como você pensa sobre para quem pinta?
Meu dia ou minha semana comum seguem o horário escolar (as férias bagunçam um pouco isso). A noite eu reservo para pintar, e nisso já faz alguns anos que tudo continua igual. Talvez venha uma mudança, e ela vai ser no tempo passado sobre cada quadro: vai ser mais longo. Para dizer a verdade, não mantenho nenhuma lista de pessoas que compraram meus quadros. Não pinto nem escolho os temas para um grupo específico de colecionadores. É sempre uma decisão espontânea, ainda que muitas vezes os temas se encadeiem.
Você está tratando ativamente de como os colecionadores vão chegar aos seus quadros, ou por enquanto deixa isso em aberto?
Deixo em aberto.
Em certa época você se afastou bastante das redes sociais. Acho que no Facebook você não está de jeito nenhum; só de vez em quando posta no Instagram uma foto desfocada das flores do seu jardim, de lenha rachada ou convites de exposição. Como você enxerga, do seu ponto de vista pessoal, as redes sociais e a apresentação na internet?
É, não dedico às redes sociais tanto tempo (talvez?) quanto seria necessário para me promover. Quando ponho uma foto no Instagram, ou um convite, é sobre o que está acontecendo em volta de mim naquele momento. Mas ter necessidade de publicar a cada duas semanas, isso não. Também não é essa aventura toda. É verdade que em certa época fiquei pensando na eficácia das redes sociais, e no fim cheguei à conclusão de que menos é mais. Quem cuidava da apresentação do meu trabalho era a galeria. Deixo o futuro em aberto.
Fica claro que você prefere a paz de espírito à autopromoção constante. Essa calma é importante para seu trabalho, ou é mais uma questão de simplesmente não querer dedicar tempo às redes?
As duas coisas. E também, na verdade não entendo bem aquilo, não sei como deveria ser. O espaço entre o quadro e mim deveria ser o mais curto possível.
Você ensina pintura numa escola do vidro. Em sua opinião, quais são as ambições e as motivações dos estudantes de arte de hoje? Em que eles são iguais e em que são diferentes da sua geração?
Nisso entram muitos fatores. Muito importante é a mistura das individualidades (o ambiente); quando isso se encaixa bem, é uma alegria, e um ajuda o crescimento pessoal do outro. No caso contrário, a comunicação fica mais difícil. Eu não gostaria de generalizar de jeito nenhum... As motivações ou as ambições são provavelmente parecidas, só têm outro conteúdo, ou então cenários diferentes. Essas decisões internas costumam acontecer quando você tem certeza; até lá, talvez você apenas “queira” alguma coisa. Tento tratar cada um de forma individual e, nesses poucos anos, pude encontrar uma amostra realmente ampla de personalidades de jovens. De pessoas muito talentosas e ao mesmo tempo trabalhadoras a indivíduos completamente sem talento e preguiçosos. A graça está em que, três anos depois, tudo pode estar diferente; acho que cada um tem seu tempo.
A escola, além de tentarmos ensinar aos alunos algumas habilidades de ofício, competências pessoais e “coisas” do tipo, deve ser antes de tudo um ambiente de apoio no sentido mais amplo da palavra. Considerar o ensino (médio de arte) apenas um estágio prévio da produção (de artesão, de artista) seria estúpido.
Qual foi seu caminho até a posição de pintor respeitado e que passos ou procedimentos você recomendaria hoje a artistas iniciantes?
Esse caminho começa em algum ponto do ensino médio, depois a FaVU, uma experiência de trabalho em Derby, na Inglaterra, o trabalho na agricultura e na floresta e, por fim, sou professor numa escola técnica de arte. Mas não foi nenhuma decolagem de foguete, nenhuma linha reta. Na verdade, toda essa linha tortuosa vem acompanhada do interesse pela pintura. As dificuldades que você naturalmente encontra são mais fáceis de enfrentar quando se tem consciência de alguma tarefa.
Aos artistas iniciantes eu aconselharia que se interessem por arte. No curso dessa atividade, vários cenários podem acontecer. Podem estudar algum tipo de arte na graduação, em alguma universidade, e talvez descubram ali que aquilo tem mais a ver com eles do que supunham. Acho que é bom estar por dentro. Também podem ajudar os vários prêmios para artistas visuais anunciados com regularidade, ir a vernissages, trabalhar e talvez até construir um perfil em alguma plataforma social.
Você mesmo ainda tem alguma ambição de alcançar algo na arte?
Sim, ainda gostaria de pintar mais alguma coisa.
Nas suas aquarelas se percebe um deslocamento gradual das paisagens descritivas para uma abstração cada vez maior. Você tem algum controle sobre esse rumo, ou isso acontece sozinho? Você pintaria de novo alguma coisa mais figurativa?
Alguns quadros foram quase abstratos; por volta de 2022 surgiu uma série assim. Sempre há aí alguma continuidade, alguns elementos se tornam dominantes. Nos últimos dois anos é uma miscelânea, mas predominam as naturezas-mortas e as paisagens.
Como você vive o atrito entre a criatividade interior autêntica e essa relação exterior com o sucesso, a venda, a competição artística e a carreira?
O sucesso com o público e as vendas são importantes; sem isso é frustrante. Fico contente quando alguém compra um quadro. Na verdade eu vejo tudo isso como algo entrelaçado. Se falamos de criatividade autêntica, de competição artística, de sucesso ou de carreira, tanto faz: cada um desses componentes representa um ponto de ancoragem. Para mim o mais importante é o tempo em que pinto. E também nem sempre as coisas dão certo, tanto no mundo exterior quanto por dentro. É para isso que servem os pontos de ancoragem.
Isso soa quase como uma prática espiritual. Você tem algum ritual ou hábito que ajuda a se ancorar – seja na pintura, seja na vida em geral?
Me vem à cabeça a continuidade. Os quadros nascem devagar, vou acrescentando camadas, diluo e adenso. O ritual ou hábito é a prática diária.
Agradecemos pela entrevista!
