Lukáš Karbus vive recluso no norte da Boêmia e pinta aquarelas de grande formato que vão surgindo devagar, camada após camada. Após o fechamento da Polansky Gallery, ele deixa o futuro em aberto. Conversamos sobre a prática diária da pintura, o ensino numa escola de artes do vidro, as redes sociais e por que o mais importante é simplesmente não parar de pintar.
Como o senhor está nesses dias? O que está preparando?
Estou bem. Alimento a estufa com regularidade.
A Polansky Gallery, que o representava com exclusividade, fechou as portas - segundo o proprietário, por razões econômicas. Pode descrever como e quando a colaboração começou? Quais foram as vantagens e desvantagens de trabalhar com uma galeria?
Conheci Filip Polanský há onze anos; quem nos apresentou foi Jiří Ptáček. Polanský viu alguns dos meus trabalhos e demonstrou interesse por uma exposição. Me deu um ano para me preparar e pintar quadros novos. Depois da mostra, combinamos uma colaboração. Uma galeria, por natureza, procura trabalhar com a sua produção, busca clientes, organiza transportes, seguros ou sessões fotográficas - se você não mora numa cidade grande, esses serviços facilitam muito a vida. Por outro lado, dividir cinquenta por cento ou vender exclusivamente através de uma galeria não é para todo mundo, mas no meu caso fazia sentido.
Como é o seu dia ou a sua semana típica agora que não há mais um galerista em Praga esperando seus quadros em intervalos regulares? Mudou alguma coisa na maneira como o senhor pensa sobre para quem pinta?
O meu dia ou semana típica segue o calendário escolar (as férias bagunçam um pouco). As noites são reservadas para pintar; isso já faz anos que é assim. Talvez venha uma mudança no tempo que dedico a cada quadro: vai ser mais longo. Para ser sincero, não mantenho nenhuma lista de quem comprou meus trabalhos. Não pinto nem escolho os temas pensando num grupo específico de colecionadores. É sempre uma decisão espontânea, embora os temas frequentemente se encadeiem.
Está trabalhando ativamente para que colecionadores possam ter acesso às suas pinturas, ou está deixando isso em aberto por enquanto?
Estou deixando em aberto.
Houve uma época em que o senhor se afastou bastante das redes sociais. Acho que não está no Facebook de jeito nenhum; apenas de vez em quando posta no Instagram uma foto desfocada de flores do jardim, lenha cortada ou convites para exposições. Como vê pessoalmente as redes sociais e a autoapresentação na internet?
Sim, provavelmente não dedico às redes sociais o tempo que seria necessário para uma autopromoção adequada. Quando posto uma foto ou um convite no Instagram, é sobre o que está acontecendo ao meu redor naquele momento. Mas não sinto necessidade de publicar a cada duas semanas. Não é nada demais. É verdade que em certo momento avaliei a eficácia das redes sociais e cheguei à conclusão de que menos é mais. A apresentação do meu trabalho ficava por conta da galeria. O futuro eu deixo em aberto.
É evidente que o senhor prefere a tranquilidade à autopromoção constante. Essa calma é importante para o seu trabalho, ou é mais uma questão de simplesmente não querer dedicar tempo às redes?
As duas coisas. E também, na verdade eu não entendo bem como funciona - não sei como deveria ser. A distância entre o quadro e eu deveria ser a mais curta possível.
O senhor leciona pintura numa escola de artes do vidro. Quais são, na sua opinião, as ambições e motivações dos estudantes de arte de hoje? No que se parecem com a sua geração e no que diferem?
Muitos fatores entram em jogo. A combinação das personalidades individuais é muito importante - quando funciona bem, é uma alegria e favorece o crescimento pessoal de cada aluno. Caso contrário, a comunicação fica mais difícil. Não gosto de generalizar... As motivações ou ambições são provavelmente parecidas, só que com outro conteúdo ou outro pano de fundo. As decisões interiores costumam chegar quando a pessoa está segura de si; até lá, talvez ela apenas "queira" alguma coisa. Procuro abordar cada um individualmente, e ao longo dos anos encontrei uma gama realmente ampla de personalidades jovens. Dos muito talentosos e ao mesmo tempo dedicados até os completamente sem talento e preguiçosos. O interessante é que em três anos tudo pode mudar - acho que cada pessoa tem o seu próprio tempo.
A escola, além de ensinar habilidades artesanais, competências pessoais e coisas do gênero, deve ser acima de tudo um ambiente de apoio no sentido mais amplo. Considerar o ensino artístico secundário apenas como uma etapa preparatória para formar artesãos ou artistas seria estúpido.
Qual foi o seu percurso até se tornar um pintor respeitado, e que passos ou abordagens recomendaria aos artistas iniciantes de hoje?
Esse percurso começa em algum ponto do ensino médio, depois a Faculdade de Belas Artes, uma experiência de trabalho em Derby, na Inglaterra, trabalho na agricultura e na floresta, e por fim sou professor numa escola de arte. Mas não foi nenhuma decolagem meteórica, nem uma linha reta. Na verdade, o interesse pela pintura acompanha todo esse caminho tortuoso. As dificuldades com que a gente naturalmente se depara ficam mais fáceis de encarar quando se tem a consciência de uma tarefa.
Aos artistas iniciantes eu aconselharia que se interessassem por arte. Ao longo desse processo, vários cenários podem se desenrolar. Podem estudar alguma forma de arte na universidade e talvez descobrir que aquilo diz respeito a eles mais do que imaginavam. Acho que é bom estar por dentro do que acontece. Também podem ajudar os diversos prêmios para artistas visuais anunciados regularmente, frequentar vernissagens, trabalhar e talvez construir um perfil numa plataforma social.
O senhor ainda tem pessoalmente alguma ambição de alcançar algo na arte?
Sim, gostaria de pintar mais alguma coisa.
Nas suas aquarelas, percebe-se um deslocamento gradual de paisagens descritivas rumo a uma abstração cada vez mais acentuada. O senhor tem controle sobre essa direção, ou ela acontece sozinha? Pintaria algo mais figurativo de novo?
Alguns quadros foram quase abstratos - por volta de 2022 surgiu uma série assim. Sempre há uma certa continuidade; alguns elementos se tornam dominantes. Nos últimos dois anos tem sido um pouco de tudo, mas predominam as naturezas-mortas e as paisagens.
Como o senhor vivencia o atrito entre a criatividade interior autêntica e a relação exterior com o sucesso, as vendas, a competição artística e a carreira?
O sucesso junto ao público e as vendas são importantes - sem isso é frustrante. Fico contente quando alguém compra um quadro. Na verdade, percebo tudo isso como algo interligado. Não importa muito se falamos de criatividade autêntica, competição artística, sucesso ou carreira - cada um desses componentes é um ponto de ancoragem. Para mim, o mais importante é o tempo que passo pintando. E nem sempre as coisas vão bem, nem no mundo exterior nem por dentro. Para isso é que existem os pontos de ancoragem.
Isso soa quase como uma prática espiritual. Tem algum ritual ou hábito que o ajude a se manter centrado - seja na pintura ou na vida em geral?
O que me vem à mente é a continuidade. Os quadros vão surgindo devagar; acrescento as camadas uma a uma, diluo e adensco. O ritual ou o hábito é a prática diária.
Obrigado pela entrevista!
