Lukáš Karbus vit retiré en Bohême du Nord et peint de grandes aquarelles qui naissent lentement, couche après couche. Depuis la fermeture de la Polansky Gallery, il laisse l'avenir ouvert. Nous avons parlé de la pratique quotidienne de la peinture, de l'enseignement dans une école d'arts verriers, des réseaux sociaux et de la raison pour laquelle l'essentiel est tout simplement de ne pas cesser de peindre.
Comment allez-vous ces jours-ci ? Qu'avez-vous en préparation ?
Je vais bien. J'alimente le poêle régulièrement.
La Polansky Gallery, qui vous représentait en exclusivité, a fermé ses portes pour des raisons économiques, selon son propriétaire. Pouvez-vous décrire comment et quand votre collaboration a débuté ? Quels en étaient les avantages et les inconvénients ?
J'ai rencontré Filip Polanský il y a onze ans ; c'est Jiří Ptáček qui nous a présentés. Polanský avait vu certains de mes travaux et s'était montré intéressé par une exposition. Il m'a accordé un an pour me préparer et peindre de nouvelles toiles. Après l'exposition, nous nous sommes entendus sur une collaboration. Une galerie cherche naturellement à travailler avec votre production, trouve des clients, organise les transports, les assurances ou les prises de vue - quand on ne vit pas dans une grande ville, ces services facilitent considérablement les choses. En revanche, partager cinquante pour cent ou vendre exclusivement par l'intermédiaire d'une galerie ne convient pas à tout le monde, mais dans mon cas cela avait du sens.
À quoi ressemble votre journée ou votre semaine type maintenant qu'aucun galeriste à Prague n'attend plus vos tableaux à intervalles réguliers ? Quelque chose a-t-il changé dans la façon dont vous pensez à ceux pour qui vous peignez ?
Ma journée ou ma semaine type suit le rythme scolaire (les vacances mettent un peu le désordre). Les soirées sont réservées à la peinture ; c'est ainsi depuis plusieurs années. Un changement surviendra peut-être dans le temps que je consacre à chaque tableau : il sera plus long. Pour être honnête, je ne tiens aucune liste des personnes qui ont acheté mes toiles. Je ne peins pas et je ne choisis pas mes sujets pour un groupe particulier de collectionneurs. C'est toujours une décision spontanée, même si les thèmes s'enchaînent souvent.
Travaillez-vous activement à rendre vos tableaux accessibles aux collectionneurs, ou laissez-vous cela ouvert pour l'instant ?
Je laisse cela ouvert.
Vous vous êtes beaucoup retiré des réseaux sociaux à une époque. Je crois que vous n'êtes pas du tout sur Facebook ; vous postez juste de temps en temps sur Instagram une photo floue de fleurs de votre jardin, de bois coupé ou des invitations à des expositions. Quel regard portez-vous personnellement sur les réseaux sociaux et l'autopromotion en ligne ?
Oui, je ne consacre sans doute pas aux réseaux sociaux autant de temps qu'il en faudrait pour se promouvoir correctement. Quand je publie une photo ou une invitation sur Instagram, cela reflète ce qui se passe autour de moi à ce moment-là. Mais je ne ressens pas le besoin de publier toutes les deux semaines. Ce n'est vraiment pas si important. Il est vrai qu'à un moment donné, j'ai évalué l'efficacité des réseaux sociaux et j'en ai conclu que moins, c'est mieux. La galerie se chargeait de la présentation de mon travail. Je laisse l'avenir ouvert.
De toute évidence, vous préférez la tranquillité d'esprit à l'autopromotion permanente. Ce calme est-il important pour votre travail, ou est-ce plutôt que vous ne voulez tout simplement pas consacrer du temps aux réseaux ?
Les deux. Et aussi, en fait, je ne comprends pas très bien comment ça fonctionne - je ne sais pas à quoi ça devrait ressembler. La distance entre le tableau et moi devrait être la plus courte possible.
Vous enseignez la peinture dans une école d'arts verriers. Quels sont, selon vous, les ambitions et les motivations des étudiants en art d'aujourd'hui ? En quoi ressemblent-ils à votre génération et en quoi s'en distinguent-ils ?
De nombreux facteurs entrent en jeu. Le mélange des personnalités compte beaucoup - quand il fonctionne bien, c'est un bonheur, et il favorise la progression personnelle de chaque élève. Dans le cas contraire, la communication devient plus difficile. Je n'aime pas généraliser... Les motivations ou les ambitions sont probablement similaires, simplement avec un autre contenu ou un autre décor. Les décisions intérieures arrivent en général quand on est sûr de soi ; jusque-là, on ne fait peut-être que "vouloir" quelque chose. J'essaie d'aborder chacun individuellement et, au fil des années, j'ai croisé un éventail vraiment large de jeunes personnalités. Des très talentueux et travailleurs aux parfaitement dépourvus de talent et paresseux. Le plus drôle, c'est que trois ans plus tard tout peut avoir changé - je crois que chacun a son propre rythme.
L'école, au-delà de l'apprentissage de savoir-faire artisanaux, de compétences personnelles et d'autres choses du même ordre, doit avant tout être un environnement de soutien au sens le plus large. Considérer l'enseignement artistique secondaire comme un simple marchepied vers la fabrication d'artisans ou d'artistes serait stupide.
Quel a été votre parcours jusqu'à devenir un peintre reconnu, et quels conseils ou démarches recommanderiez-vous aux artistes débutants d'aujourd'hui ?
Ce parcours commence quelque part au lycée, puis la Faculté des beaux-arts, une expérience professionnelle à Derby en Angleterre, le travail agricole et forestier, et finalement l'enseignement dans une école d'art. Mais ce n'a été ni un décollage fulgurant, ni une ligne droite. En réalité, un intérêt pour la peinture accompagne tout ce chemin sinueux. Les difficultés que l'on rencontre naturellement se surmontent plus facilement quand on a conscience d'une mission.
Aux artistes débutants, je conseillerais de s'intéresser à l'art. Différents scénarios peuvent alors se présenter. On peut étudier une forme d'art à l'université et peut-être découvrir que cela nous concerne davantage qu'on ne le pensait. Je crois qu'il est bon de rester informé. Les prix régulièrement décernés aux artistes plasticiens peuvent aussi aider, de même que la fréquentation des vernissages, le travail et éventuellement la construction d'un profil sur une plateforme sociale.
Avez-vous encore personnellement l'ambition d'accomplir quelque chose dans l'art ?
Oui, j'aimerais encore peindre quelque chose.
Dans vos aquarelles, on perçoit un glissement progressif des paysages descriptifs vers une abstraction de plus en plus marquée. Maîtrisez-vous cette évolution, ou se produit-elle d'elle-même ? Peindriez-vous de nouveau quelque chose de plus figuratif ?
Quelques tableaux étaient presque abstraits - une série de ce genre est apparue vers 2022. Il y a toujours une certaine continuité ; certains éléments deviennent dominants. Ces deux dernières années, c'est un peu de tout, mais les natures mortes et les paysages prédominent.
Comment vivez-vous la tension entre la créativité intérieure authentique et le rapport extérieur au succès, aux ventes, à la compétition artistique et à la carrière ?
Le succès auprès du public et les ventes sont importants - sans eux, c'est frustrant. Je suis content quand quelqu'un achète un tableau. En fait, je perçois l'ensemble comme un tout interconnecté. Que l'on parle de créativité authentique, de compétition artistique, de succès ou de carrière, cela revient à peu près au même : chacun de ces éléments constitue un point d'ancrage. Ce qui compte le plus pour moi, c'est le temps que je passe à peindre. Et les choses ne vont pas toujours bien, ni dans le monde extérieur ni à l'intérieur. C'est à cela que servent les points d'ancrage.
Cela ressemble presque à une pratique spirituelle. Avez-vous un rituel ou une habitude qui vous aide à rester ancré - que ce soit dans la peinture ou dans la vie en général ?
Ce qui me vient à l'esprit, c'est la continuité. Les tableaux naissent lentement ; j'ajoute les couches une à une, je dilue et j'épaisis. Le rituel ou l'habitude, c'est la pratique quotidienne.
Merci pour cet entretien !
