Lukáš Karbus lebt zurückgezogen in Nordböhmen und malt großformatige Aquarelle, die langsam entstehen, Schicht für Schicht. Nach der Schließung der Polansky Gallery lässt er die Zukunft offen. Wir sprachen über die tägliche Praxis des Malens, den Unterricht an einer Glasfachschule, soziale Medien und darüber, warum das Wichtigste schlicht ist, nicht aufzuhören zu malen.
Wie geht es Ihnen in diesen Tagen? Was steht bei Ihnen an?
Mir geht es gut. Ich heize regelmäßig.
Die Polansky Gallery, die Sie exklusiv vertreten hat, wurde laut ihrem Inhaber aus wirtschaftlichen Gründen geschlossen. Können Sie beschreiben, wie und wann Ihre Zusammenarbeit begann? Welche Vor- und Nachteile hatte die Zusammenarbeit mit der Galerie für Sie?
Ich habe Filip Polanský vor elf Jahren kennengelernt, Jiří Ptáček hat uns zusammengebracht. Polanský sah damals einige meiner Arbeiten und bekundete Interesse an einer Ausstellung. Er gab mir ein Jahr zur Vorbereitung und zum Malen neuer Bilder. Nach der Ausstellung haben wir uns auf eine Zusammenarbeit geeinigt. Eine Galerie bemüht sich naturgemäß, mit Ihrer Arbeit zu arbeiten, sucht Kunden, organisiert Transporte, Versicherungen oder Fotoshootings - wenn man nicht in einer größeren Stadt lebt, erleichtern einem diese Leistungen vieles erheblich. Andererseits ist es nicht jedermanns Sache, fünfzig Prozent zu teilen oder seine Werke ausschließlich über eine Galerie zu verkaufen, aber für mich hat es Sinn ergeben.
Wie sieht Ihr gewöhnlicher Tag oder Ihre Woche jetzt aus, da kein Galerist in Prag mehr in regelmäßigen Abständen auf Ihre Bilder wartet? Hat sich etwas daran geändert, wie Sie darüber nachdenken, für wen Sie malen?
Mein gewöhnlicher Tag oder meine Woche richtet sich nach dem Schulplan (Ferien bringen das ein wenig durcheinander). Die Abende sind dem Malen vorbehalten, das ist seit mehreren Jahren gleich geblieben. Vielleicht kommt eine Veränderung bei der Zeit, die ich an einem Bild verbringe; sie wird länger sein. Ehrlich gesagt führe ich keine Liste von Leuten, die meine Bilder gekauft haben. Ich male nicht und wähle die Themen nicht für eine bestimmte Sammlergruppe aus. Es ist immer eine spontane Entscheidung, auch wenn die Themen oft aufeinander aufbauen.
Kümmern Sie sich gerade aktiv darum, wie Sammler an Ihre Bilder gelangen, oder lassen Sie das vorerst offen?
Ich lasse es offen.
Eine Zeit lang haben Sie sich stark aus den sozialen Medien zurückgezogen. Ich glaube, auf Facebook sind Sie gar nicht, nur gelegentlich posten Sie auf Instagram ein unscharfes Foto von Blumen aus Ihrem Garten, gehacktem Holz oder Einladungen zu Ausstellungen. Wie stehen Sie persönlich zu sozialen Medien und der Selbstpräsentation im Internet?
Ja, ich widme den sozialen Medien wohl nicht so viel Zeit, wie für eine angemessene Eigenwerbung nötig wäre. Wenn ich ein Foto oder eine Einladung auf Instagram stelle, geht es um das, was gerade um mich herum passiert. Aber das Bedürfnis, alle zwei Wochen Beiträge zu posten, habe ich nicht. So aufregend ist das alles nicht. Es stimmt, dass ich eine Zeit lang die Wirksamkeit sozialer Medien abgewogen habe und am Ende zum Schluss kam, dass weniger mehr ist. Die Präsentation meiner Arbeit hat die Galerie übernommen. Die Zukunft lasse ich offen.
Offensichtlich ziehen Sie innere Ruhe einer ständigen Selbstvermarktung vor. Ist diese Ruhe für Ihr Schaffen wichtig, oder geht es eher darum, dass Sie den sozialen Medien schlicht keine Zeit widmen wollen?
Beides. Und auch, ich verstehe das eigentlich nicht so richtig, ich weiß nicht, wie das aussehen sollte. Der Abstand zwischen dem Bild und mir sollte so kurz wie möglich sein.
Sie unterrichten Malerei an einer Glasfachschule. Wie schätzen Sie die Ambitionen und die Motivation heutiger Kunststudenten ein? Worin gleichen sie Ihrer Generation, und worin unterscheiden sie sich?
Da spielen viele Faktoren hinein. Sehr wichtig ist die Mischung der einzelnen Persönlichkeiten - wenn das gut zusammenpasst, ist es eine Freude und fördert das persönliche Wachstum jedes Schülers. Andernfalls wird die Kommunikation schwieriger. Ich möchte ungern verallgemeinern... Die Motivationen oder Ambitionen sind wohl ähnlich, nur mit anderem Inhalt oder anderen Kulissen. Die inneren Entscheidungen fallen in der Regel, wenn man sich seiner Sache sicher ist; bis dahin will man vielleicht nur etwas "haben". Ich versuche, jeden individuell anzugehen, und im Laufe der Jahre bin ich einem wirklich breiten Spektrum junger Persönlichkeiten begegnet. Von sehr talentierten und zugleich fleißigen bis hin zu völlig untalentierten und faulen. Der Witz ist, dass in drei Jahren alles anders sein kann - ich glaube, jeder hat seine eigene Zeit.
Schule soll, über das Vermitteln handwerklicher Fertigkeiten, persönlicher Kompetenzen und ähnlicher "Dinge" hinaus, vor allem ein unterstützendes Umfeld im weitesten Sinne sein. Die (künstlerische) Sekundarschulbildung lediglich als Vorstufe zur Ausbildung von Handwerkern oder Künstlern zu betrachten, wäre dumm.
Wie verlief Ihr Weg zum anerkannten Maler, und welche Schritte oder Vorgehensweisen würden Sie auch heute Nachwuchskünstlern empfehlen?
Der Weg beginnt irgendwo an der Mittelschule, dann die Fakultät für bildende Künste, eine Arbeitserfahrung im englischen Derby, Arbeit in der Landwirtschaft und im Wald und schließlich bin ich Lehrer an einer künstlerischen Fachschule. Aber es war kein Raketenstart, keine gerade Linie. Eigentlich begleitet ein Interesse an der Malerei diese ganze verschlungene Strecke. Die Schwierigkeiten, auf die man unweigerlich stößt, lassen sich mit dem Bewusstsein einer Aufgabe leichter bewältigen.
Nachwuchskünstlern würde ich raten, sich für Kunst zu interessieren. Dabei können sich verschiedene Szenarien ergeben. Man kann eine Form von Kunst an einer Hochschule studieren und vielleicht feststellen, dass es einen mehr betrifft, als man dachte. Ich finde es gut, auf dem Laufenden zu bleiben. Auch regelmäßig ausgeschriebene Preise für bildende Künstler können helfen, ebenso der Besuch von Vernissagen, Arbeit und vielleicht der Aufbau eines Profils auf einer sozialen Plattform.
Haben Sie selbst noch einen Ehrgeiz, etwas in der Kunst zu erreichen?
Ja, ich würde gern noch etwas malen.
In Ihren Aquarellen ist eine allmähliche Verschiebung von beschreibenden Landschaften hin zu immer stärkerer Abstraktion erkennbar. Haben Sie diese Entwicklung unter Kontrolle, oder geschieht sie von selbst? Würden Sie wieder etwas Figurativeres malen?
Einige Bilder waren nahezu abstrakt - um 2022 herum entstand so eine Serie. Es gibt immer eine gewisse Kontinuität; manche Elemente werden dominant. In den letzten beiden Jahren war es ein buntes Gemisch, aber Stillleben und Landschaften überwiegen.
Wie erleben Sie die Reibung zwischen authentischer innerer Kreativität und dem äußeren Verhältnis zu Erfolg, Verkauf, künstlerischem Wettbewerb und Karriere?
Erfolg beim Publikum und Verkäufe sind wichtig - ohne sie ist es frustrierend. Ich freue mich, wenn jemand ein Bild kauft. Eigentlich nehme ich das Ganze als Zusammenspiel wahr. Ob wir von authentischer Kreativität, künstlerischem Wettbewerb, Erfolg oder Karriere sprechen, ist ziemlich egal - jeder dieser Bestandteile stellt einen Ankerpunkt dar. Für mich ist die Zeit, in der ich male, das Wichtigste. Und es läuft nicht immer gut, weder in der äußeren Welt noch im Inneren. Dafür sind die Ankerpunkte da.
Das klingt fast wie eine spirituelle Praxis. Haben Sie ein Ritual oder eine Gewohnheit, die Ihnen hilft, geerdet zu bleiben - sei es beim Malen oder im Leben allgemein?
Was mir einfällt, ist Kontinuität. Die Bilder entstehen langsam; ich trage einzelne Schichten auf, verdünne und verdichte. Das Ritual oder die Gewohnheit ist die tägliche Praxis.
Vielen Dank für das Gespräch!
