Pavel Preisner lebt nicht im Internet, betreibt keine Eigenwerbung und jagt keinen Ausstellungen hinterher. Ein Freund hat ihn im ArtGraduates-Verzeichnis angemeldet – er selbst hätte das nie getan. Im folgenden Interview teilt er seine Credos. Obwohl wir uns im Alltag duzen, sind wir für die Zwecke dieses Interviews wieder zum Siezen zurückgekehrt.
Sie sind der hundertste Künstler im ArtGraduates-Verzeichnis geworden – ein Jubiläumsmoment –, haben sich aber nicht selbst angemeldet. Ein Freund hat das für Sie getan, derselbe, der auch Ihren Instagram-Account betreut. Was bringt Sie dazu, diese ganze Seite des künstlerischen Schaffens an jemand anderen abzugeben? Und wie stehen Sie überhaupt zur Online-Welt?
Ich bin ein Computer-Analphabet. Ich kenne nur die einfachsten Vorgänge: E-Mail, Zahlungen und das Anschauen von Bildern. Und YouTube – ich lebe allein, also Musik, damit ich nicht endgültig den Verstand verliere... Im Grunde bin ich altmodisch. Ich bin Idealist und Utopist (mit einer Prise pazifistischer Aggression – anders als paradox kann ich es nicht ausdrücken). Das gilt auch für mein Schreiben für die Zeitschriften Prostor Zlín, Protimluv und für Kataloge... Ich versuche, über bildende Künstler zu schreiben, die es wirklich gibt und die niemand kennt.
Und dieser Vorwurf – diese Aggression – richtet sich gegen Kuratoren, die nicht sensibel genug sind, gegen ihre Vorsicht und Faulheit. Was am Ende passiert, ist, dass über Menschen, die im Schatten leben, schließlich nach x Jahren in der Revolver Revue (einer bedeutenden tschechischen Literaturzeitschrift) geschrieben wird. Dort bekommen sie eine eigene Rubrik und treten kurz ins Licht. Das ist meiner Meinung nach ein bisschen spät. Nichts gegen die RR – ich drücke ihr die Daumen.
Es ergibt also Sinn, dass Sie jemanden dafür gefunden haben. Auf welche anderen Wege versuchen Sie, Ihre Werke zu den Betrachtern zu bringen? Was hat sich für Sie am besten bewährt?
Am häufigsten passiert es, dass ein Bild von mir bei jemandem im Bekanntenkreis hängt und es jemand aus deren Umfeld sieht und Interesse zu entwickeln beginnt. Diese Person kommt dann ins Lager und kauft meistens etwas. Es ist mir auch in Ausstellungen wiederholt passiert, dass jemand etwas gekauft hat. Aber jetzt versuche ich, mit der freundlichen Hilfe meines Freundes Jiří R., Sachen auf Instagram zu stellen. Auf meine Website schaut niemand, wenn er nicht dazu angeregt wird.
Verkäufe über persönliche Verbindungen, ein Bild an der Wand eines Freundes, das dem nächsten Besucher ins Auge fällt – das ist tatsächlich die älteste und authentischste Form der Verbreitung von Kunst. Im Web findet einen niemand von allein, ohne gezielte Arbeit. Aber was ist mit Ausstellungen? Wie kommen Sie eigentlich an Ausstellungsgelegenheiten?
Nun, bisher sind die Angebote immer zu mir gekommen...
Sie haben gesagt, dass der Verkauf von Kunst auf Glück hinausläuft – dass die richtige Person Sie wahrnehmen muss. Gibt es eine Möglichkeit, sich dem Glück in den Weg zu stellen? Erinnern Sie sich an einen Moment, in dem genau das geschehen ist?
Das Glück macht die Runde. Wie man ihm auf halbem Weg entgegenkommt, weiß ich wirklich nicht. Das Wichtigste ist wahrscheinlich, einfach täglich zu üben und sich nicht zu sehr anzustrengen... Verbissen irgendwo Ausstellungen nachzujagen... das kann ich einfach nicht.
Sie haben über fünfundzwanzig Jahre lang an der Privaten höheren Fachschule für Kunst in Zlín unterrichtet – das heißt, ganze Generationen junger Künstler sind durch Ihre Hände gegangen. Was gibt Ihnen das Unterrichten als Maler? Und haben sich die Studenten in dieser Zeit verändert – gehen sie heute anders mit Kunst, Handwerk und den Gründen, sie zu machen, um? Was ist Ihnen am wichtigsten, ihnen mitzugeben?
Zuerst musste ich lernen, wie man unterrichtet. Dann war das „Lehrer“-Schüler-Verhältnis eine Zeit lang gegenseitig. Hin und her. Heute sind sie keine Studenten mehr, sondern Schüler – mental und im Engagement eher wie Mittelstufenkinder. Ein Dichter (oder Maler) brennt oder verfault, und derzeit brennen nur wenige von ihnen. Früher war das für mich inspirierend...
Wenn es in den Kritikgesprächen etwas zu sehen gibt, bekomme ich visuelle Informationen, auf die ich allein nie gekommen wäre, und es zwingt mich auch, eine Bewertung in Worte zu fassen, eine Analyse, die mich selbst überrascht. Und weil ich Neotaoist bin, verlasse ich mich auf die Intuition. Die habe ich nach all den Jahren immerhin, zumindest in einem Mindestmaß. Hoffe ich. Die „Schüler“ sind nicht schuld daran, dass sie so sind, wie ich sie oben beschrieben habe – sie haben eine andere, leider schwächere Grundlage.
Sie haben Ihre erste Gedichtsammlung Ulomili selbst illustriert und Ihre Ausstellung „Schönheit wird seltsam sein oder sie wird überhaupt nicht sein“ nach einem Text benannt, den Sie speziell für die Bilder geschrieben haben. Wo endet in Ihnen der Maler und beginnt der Dichter – oder gibt es diese Grenze nicht?
Der Titel Schönheit wird seltsam sein oder sie wird überhaupt nicht sein ist eine Paraphrase auf Bretons Satz „Die Schönheit wird konvulsivisch sein...“ Diese Grenze existiert für mich nicht – mehr noch, für mich ist es eine Gleichung. Poesie aus Worten ist gleich der Poesie aus Flecken, Punkten und Linien – also Malerei.
Mein Freund, der Dichter Pavel Rajchman, und ich sind uns einig: Ein Dichter muss nicht einmal schreiben – es reicht, als Dichter zu leben. Das hat uns schon Rimbaud gezeigt. Wobei das natürlich eine enorme Verpflichtung ist.
In Ihren Texten und Bildern, besonders in letzter Zeit, ist deutlich ein starker Zug zum Spirituellen erkennbar. Wie würden Sie sich selbst definieren – wer sind Sie?
Immer mehr fühle ich mich wie ein Autist. Berufsdeformiert... Aber Malerei ist mein Leben. Das bin ich.
Was die spirituelle Seite angeht: Ich bin getaufter Katholik, aber seit zwanzig Jahren zieht es mich zum Taoismus und Zen. Ich bin ein christlicher Neotaoist. Die Evangelien und das Tao Te King haben vieles gemeinsam. Selbst mit der mentalen Hygiene des Taoismus und Zen werde ich von sehr starken Ängsten geplagt. Ich beziehe eine Teilinvalidenrente; diese Ängste haben mich bis zur sozialen Phobie getrieben (und das, obwohl ich Menschen liebe).
Vor allem aber bin ich Vater; ich habe zwei wunderbare Töchter. Sie leben bei ihrer Mutter, aber an den Wochenenden kommen sie zu mir. Wir lieben einander.
Welche therapeutische Rolle spielt Ihre Arbeit angesichts der seelischen Schwierigkeiten, die Sie erwähnt haben?
Ich hatte nie den Ehrgeiz, Anerkennung zu erkämpfen. Von Anfang an wollte ich einfach schaffen, und als mir klar wurde, dass ich mit meinem Werk machen kann, was ich will, gewann ich innere Freiheit. Noch nicht besonders viel davon, aber ich fühlte mich frei. Und nun das Wichtigste: 2003, als ich zum ersten Mal in der Psychiatrischen Klinik in Kroměříž auf der Alkoholentzugsstation war, hatte ich das Gefühl, neu anfangen zu können. Dort, in der „Ergotherapie“, konnten wir praktisch alles machen. Ich begann wieder mit großem Appetit zu malen (in den drei Jahren davor hatte ich fast nichts getan). Mit dem Alkohol verhält es sich bei mir so, dass ich 90 % der Zeit „clean“ bin. Von Zeit zu Zeit habe ich einen Rückfall, und es endet immer auf der Intensivstation. Ekelhaft. Bald nach meiner Entlassung von der Alkoholentzugsstation tauchten Ängste auf, die bis heute immer stärker geworden sind, sodass ich mich die meiste Zeit schlecht fühle. Ich gehe zum Psychiater; ich nehme Psychopharmaka und Antabus. Aber das reicht nicht. Die tägliche Arbeit an der Staffelei ist meine Therapie. Der Prozess selbst. Das Ergebnis ist mir erst danach wichtig. Wenn ich an der Staffelei stehe und den Pinsel führe, bin ich wirklich, noch einmal, frei. Ein bisschen dramatisch, nicht wahr? Aber die Zustände, die mich quälen, sind unbeschreiblich...
Neben Ihrer Laufbahn als Dichter und Maler sind Sie auch Kunsttheoretiker. Wie gehen Sie an das Schreiben über bildende Kunst heran – was ist Ihnen wichtig zu vermitteln und zu beschreiben, und was vermeiden Sie bewusst?
Das Wort „Theoretiker“ ist in meinem Fall zu stark. Ich schreibe einfach. Und es macht mir Freude. Dieses Jahr sind es 26 Jahre, seit ich meinen ersten Text für Prostor Zlín geschrieben habe. Es gibt einen Haufen dieser Texte, und Jiří Riessler und ich bereiten eine Buchausgabe beim Verlag Malvern vor.
Ich habe oft Ausstellungen eröffnet, aber ich pflegte diese Eröffnungsreden auf Zettelchen zu kritzeln, und die allermeisten sind verloren gegangen. Ich hoffe, das klingt nicht überheblich, aber ich sehe diese Texte als eine Art Dienst. Ich sage das, weil die Malerei selbst eine selbstsüchtige Sache ist.
Ich schreibe nie über das, was mir nicht gefällt; ich kritisiere nicht. Mein ehemaliger Chef hat mich aufgezogen, dass mir alles gefällt. Im Grunde hat er recht – ich schätze jeden, der wirklich etwas schafft. Mit Ausnahme von Kristián Kodet und seinesgleichen. Was mir in diesem Zusammenhang wichtig ist, ist Joseph Beuys’ Gleichung: „Kapital gleich Kreativität.“
Aus Ihren Antworten spüre ich Ihr weitreichendes Interesse an den Werken vergangener Bewegungen – Surrealismus, Tao... Wie sehen Sie ältere künstlerische Geistesströmungen in Ihrer eigenen Arbeit, und wie sehen Sie sie in unserer Zeit allgemein?
Dada, Surrealismus und Vysoká hra (die tschechische Avantgarde-Literaturgruppe der 1930er Jahre, verbunden mit der französischen Le Grand Jeu) sind für mich nach wie vor aktuell. Es gibt immer noch genug, wogegen man sich auflehnen kann. Ja, auch heute befinden wir uns in jener Art des Erwachens, von der der Dichter Miloslav Topinka schreibt. Und wenn wir können, müssen wir an unserer eigenen Arbeit arbeiten. Für uns selbst. Und wenn das auch jemand anderen anspricht, ist das ein kleiner Sieg – ein Beitrag zu etwas so dringend Benötigtem; ich scheue mich fast, es auszusprechen, aber: Spiritualisierung. Es muss keine religiöse Kunst sein.
Und um zum Anfang zurückzukehren: Der Kubismus von Braque und Picasso von 1907 bis 1914 ist für mich nach wie vor ein großes Rätsel. Dieses ganze Prinzip von ihnen, ihr Labor, ihre nicht-perspektivische Sehweise. Und heute lehrt noch immer jede Kunsthochschule nach dem Renaissance-Modell... Und über allem schwebt für mich Josef Šíma.
Lassen Sie uns ein wenig wahrsagen. Sie waren Lehrer, schreiben über Künstler, befassen sich mit Kunstgeschichte. Auf welche Zukunft sollten wir uns „freuen“? Was bereitet Ihnen Sorge, was macht Sie neugierig?
Was mich wirklich erschreckt, ist die künstliche Intelligenz. Sehr gefährlich! Aber ich glaube, dass die meisten Menschen mit wenigstens etwas Sensibilität weiterhin ein gemaltes Bild wollen werden, eine geschnitzte oder modellierte und in ihrem endgültigen Material gegossene Skulptur, eine mechanisch oder chemisch bearbeitete Matrize, die dann gedruckt wird – also die Druckgrafik. Ich mag auch Installation, wenn sie stark ist, und Performance, wenn sie stark ist und von einem charismatischen Wesen ausgeführt wird.
So wie heute wird die Zukunft sehen, wie diese Medien die Zeit und die Welt widerspiegeln, in der wir leben – aber vielleicht auch die Hermetik, in der Zeitlosigkeit herrscht. Und viele Werke, die über alles Mögliche sprechen. Ich hoffe es...
Ich kenne nur Teile der Kunstgeschichte; ich liebe die gotische Tafelmalerei und die Frührenaissance sehr – damals war Kunst noch eine Form von Dienst, während sie von Raffael bis heute, mit wenigen Ausnahmen, ein Wettbewerb war...
Vielen Dank für das Interview!
