Jiří David è una delle personalità più significative della scena visiva ceca. Cofondatore del leggendario gruppo Tvrdohlaví, creatore del cuore al neon sopra il Castello di Praga e pedagogo che ha formato generazioni di artisti cechi. Quest'anno compirà settant'anni.
Come sta in questi giorni? A cosa sta lavorando attualmente?
Grazie per la domanda, sto proporzionalmente alla mia età, quindi in modo ottimale, funziona ancora. Sto terminando la mia ultima grande serie di dipinti a olio, di cui un quarto sarà esposto a maggio alla Galleria Špála. Sto anche preparando una mostra per l'inizio di luglio in una galleria a Karlovy Vary.
Di cosa tratteranno questi nuovi dipinti?
Sarà una serie di oli su tela, completamente diversa dalla mia mostra Volti a Hluboká. Colori molto intensi, sensualità e motivi del tutto semplici che sono emersi gradualmente durante il processo artistico. Non ho schizzato né preparato nulla in anticipo.
Nella nostra intervista del 2003, abbiamo parlato della motivazione a creare. Lei disse: «In primo luogo, mi diverte. E in secondo luogo, ho la sensazione che con l'arte visiva sono in grado di comunicare qualcosa che non so esprimere in altro modo.» È cambiata la sua visione sul perché i giovani di oggi vogliono creare arte? E lei stesso si diverte e si entusiasma ancora?
Sì, queste sono ancora alcune delle motivazioni essenziali per il mio lavoro in studio, o anche al di fuori di esso. È ancora una grande avventura nella ricerca, nel non ripetersi. Per questo è spesso anche una grande lotta, a volte disperazione e rabbia, poi gioia ed entusiasmo.
Nel 2003, era appena arrivato all'UMPRUM e diceva che stava «scoprendo» gli studenti e cercando una piattaforma dove incontrarsi. Alla fine, ha insegnato all'UMPRUM per oltre 15 anni prima di andarsene nel 2020. Come percepisce oggi, con il senno di poi, quel capitolo pedagogico? E le manca l'insegnamento?
Beh, a dire il vero, non ho lasciato l'UMPRUM del tutto volontariamente, ma ci vorrebbe troppo tempo per spiegare. All'inizio mi mancava naturalmente, ma oggi non più. È difficile valutare se stessi anche con il senno di poi. Ma forse è significativo che molti dei miei studenti (nostri, perché il mio collega e assistente Milan Salák ha avuto un ruolo essenziale) non si siano persi sulla scena visiva ceca e molti sono ora essi stessi docenti nelle scuole d'arte di tutto il paese.
All'epoca, criticava il fatto che l'arte ceca si chiude in se stessa, si formano ghetti e la società percepisce gli artisti come elitari. Le cose si sono evolute?
Anche in questo non è cambiato molto, ha contorni leggermente diversi, ma fondamentalmente è così. Forse deve essere così, non lo so.
Diceva che cancellava ansiosamente i progetti quando scopriva che qualcosa di simile esisteva già. Nell'era dell'IA e dello smog visivo infinito – è ancora possibile essere originali? Qual è il suo rapporto con l'IA?
Percepisco ancora l'originalità come impronte digitali uniche. Quindi qualcosa di molto personale, magari anche con difetti. L'IA non sa ancora farlo molto bene nel campo dell'arte viva, e si nota ancora. Nel campo della pittura manuale, rimarrà davvero così ancora per un po'. Indubbiamente, nell'area del design, della grafica utilitaria e commerciale, ma anche dell'architettura, della fotografia e del video, le cose andranno molto più velocemente attraverso l'IA e queste aree saranno soppiantate dall'IA, o piuttosto le persone ne saranno espulse. Personalmente, attualmente uso i moduli di testo IA per cercare correzioni grammaticali o stilistiche, per piccole traduzioni rapide o alcune domande tecniche.
È noto per rifiutarsi di pubblicare i suoi dipinti su Internet – secondo lei, lo schermo appiattisce l'esperienza visiva. Tuttavia, come artista è molto attivo su Facebook, scrive per Lidové noviny, Aktuálně e altri media. Ha un account Instagram, ma da agosto 2024 segue solo 180 persone. Qual è in realtà il suo rapporto con il mondo online?
Sì, questo continua, proprio per queste ragioni. Naturalmente, non si possono evitare situazioni in cui appaiono foto delle installazioni delle mostre sui social. Dallo studio, fondamentalmente non pubblico i miei quadri dipinti. Tuttavia, non scrivo per nessun media, solo su Aktuálně.cz dove ho il mio blog, ma anche quello è ormai pre-monitorato, quindi sebbene sia mio, è soggetto alla correzione e approvazione della loro redazione. Quindi i miei testi non appaiono più molto liberamente lì. Uso FB regolarmente per la comunicazione, perché i miei testi non possono andare da nessun'altra parte. Uso Instagram molto sporadicamente, fondamentalmente non mi interessa, non lo guardo, ci metto qualcosa a caso circa una volta al mese. Questo è il mio mondo online, e secondo mia moglie è già troppo.
Il mondo online divora il nostro tempo e la nostra attenzione in modo senza precedenti. Ma lei si è affermato prima della diffusione di massa di Internet. Quali erano allora per lei gli elementi più efficaci nella carriera? Incontri personali con un buon gallerista? O ricorda un momento in cui Internet ha aiutato la sua carriera? Oggi la situazione è diversa e gli artisti e le loro opere possono essere scoperti e brillare anche dalle periferie geografiche correttamente connesse all'attenzione online.
Non so come rispondere in modo pertinente. È sempre una sorta di coincidenza, ma questo è legato all'intensità e alla fede nel proprio lavoro. Noi eravamo alla nascita delle prime gallerie private dopo il 1989, quindi eravamo semplicemente la loro famiglia, ci incontravamo in riunioni regolari, discutevamo, ci percepivamo a vicenda e cercavamo di mostrare all'altro in cosa eravamo bravi o diversi. Così nascevano le mostre individuali e a volte anche l'interesse dei collezionisti (più tardi). Del resto, non l'abbiamo mai fatto a priori per nessuna collezione. Forse le reti sostituiscono questo oggi (?!), ma per me sono troppo impersonali, fredde, senza emozioni, universali. Certamente, un certo tipo di media lo supporta e lo presenta meglio, ma questo mi passa accanto. Non che non lo percepisca, ma in realtà mi annoia. Probabilmente ci sono anche «cacciatori» in queste reti che cacciano in altri territori e gli piace. Non lo so. (...) Chi colleziona veramente arte con interesse sincero, ma anche con soldi, non si interessa affatto dei like.
Nel 2003, il nostro articolo faceva riferimento al suo dominio di allora jiri-david.cz. Oggi non è disponibile e sembra essere in vendita. Cosa è successo, ha abbandonato il dominio con il suo nome?
Ho cancellato il sito web molto tempo fa (ho descritto le ragioni sopra), quindi anche quel dominio, e pensavo stupidamente, come vedo ora, che sarebbe scomparso automaticamente. Quindi un dominio non può essere distrutto?
Un dominio non scompare da solo. Le collezioni e i fondi di investimento di arte contemporanea hanno i loro consulenti esperti. Ha mai consigliato qualcuno di loro su chi investire? Come funziona oggi nella pratica ceca? E cosa dire dei collezionisti stranieri – si interessano alla scena ceca o solo alle perle che le gallerie portano loro alle grandi fiere?
No, mai, non ho mai consigliato nessuno del genere, né sono stato in contatto con loro. Forse qualche collezionista privato mi ha chiesto a volte cosa penso di questa o quella persona, e probabilmente gli ho dato una risposta personale senza impegno. Quindi non so come funziona nella pratica, posso solo speculare. I collezionisti stranieri fondamentalmente non si interessano ancora alla scena visiva contemporanea ceca. E se lo fanno, è solo sporadicamente per certi individui che qualcuno mostra loro, per esempio a qualche fiera d'arte, ecc.
Esistono artisti attivi che consigliano anche grandi collezioni private e fondi. Nel loro ruolo di filtro o selettore di autori e opere destinate all'acquisto, si presentano diversi possibili tipi di conflitti di interesse (possono danneggiare la concorrenza per se stessi o per i loro «cavalli», acquisire potere che potenzialmente può essere abusato, ecc.). Cosa ne pensa?
Non credo che sia particolarmente dannoso, perché il mercato dell'arte locale è così chiuso in se stesso che non può essere davvero squalificato da questo. Tuttavia, è in qualche modo ovvio che se qualcuno tra gli artisti attivi lo fa a pagamento – e davvero non conosco una tale persona, ma probabilmente esistono (?) – allora può influenzare qualcosa da qualche parte. Ma nessun vero potere ne deriva, e se c'è, è solo il potere locale marginale.
Quest'anno compirà settant'anni. Che messaggio darebbe ai giovani artisti nel loro cammino verso la felicità?
Un sorriso, niente di sorprendente – semplicemente credere in quello che si fa, non cercare di essere «in» a tutti i costi, ma allo stesso tempo sapere cosa sta succedendo nel mondo e soprattutto sapere cosa contiene la memoria dell'arte stessa. Poi è solo lavoro continuo per tutta la vita, per il quale nessuno metterà la mano sul fuoco per te.
Grazie per l'intervista. (Qui sotto troverete la recensione del nuovo film Ne vale la pena?, di cui Jiří David è uno dei protagonisti e il cui tema è collegato alla nostra intervista.)
Jiří David: Recensione del film Ne vale la pena?
Il film Ne vale la pena? merita senza dubbio una valutazione critica – ma non nella forma in cui lo presentano oggi coloro che, o non hanno una comprensione profonda dei meccanismi e dell'economia del mondo dell'arte e adottano meccanicamente scorciatoie ideologiche di moda, o sanno abbastanza ma rafforzano deliberatamente gli stereotipi di tendenza attuali. Secondo le informazioni disponibili, il film è stato in produzione per quasi sette anni. Su un orizzonte di sviluppo così lungo e non ancorato, è straordinariamente difficile mantenere l'unità drammaturgica, la coerenza del quadro interpretativo e la stabilità contestuale – un problema noto da tempo nella produzione documentaristica, specialmente per i film che seguono ambienti sociali in cambiamento. Il regista Jan Strejcovský ha senza dubbio tentato un'unificazione, ma il materiale tendeva per natura alla frammentazione.
Considero l'inclusione di un giovane artista emergente che si esibisce sotto lo pseudonimo «Dante» un errore drammaturgico fondamentale. La sua presenza non porta impulsi nuovi, inaspettati, esteticamente o interpretativamente rilevanti alla testimonianza del film. Dal punto di vista della drammaturgia cinematografica, che dovrebbe (specialmente in un documentario su un ambiente professionale) basarsi su una selezione rappresentativa e allo stesso tempo differenziata, è una scelta problematica. Nel contesto della pratica artistica contemporanea, la sua partecipazione agisce come un elemento disturbante che deforma la mappa dei valori implicita del film.
Per quanto riguarda il formato documentario stesso, bisogna sottolineare nuovamente ciò che la teoria del film documentario conferma oggi (da Bill Nichols a Stella Bruzzi): non esiste un documento «puro» o «neutrale». Ogni documentario è una forma di costruzione, montaggio e interpretazione della realtà. La manipolazione non è un difetto ma una caratteristica immanente del medium. Ciò che conta è il grado di riflessività e trasparenza di questa manipolazione. Tuttavia, Ne vale la pena? riflette solo minimamente la sua costruzione e dà piuttosto l'impressione di uno sguardo oggettivo. In realtà, si tratta di una narrativa d'autore – un oggetto artistico presentato come testimonianza documentaria.
La struttura di montaggio del film, basata su una significativa stratificazione temporale, a volte sposta o cambia i significati delle singole dichiarazioni. Per lo spettatore non familiare con la sociologia della pratica artistica (il concetto di «art worlds» di Howard Becker o le specificità locali delle strutture di sovvenzioni, gallerie e collezionisti), il film diventa difficile da leggere, quasi impenetrabile. Questa mancanza di ancoraggio porta gli spettatori profani piuttosto verso la stereotipizzazione, mentre agli addetti ai lavori mancano necessariamente i correttivi esperti – quadri contestuali che darebbero alle dichiarazioni una dimensione professionale e valoriale chiara.
La posizione dominante nel film è occupata dall'artista attivista Epos 257, che è presentato – non solo dalla prospettiva del regista, ma principalmente dal suo stesso comportamento performativo – come un arbitro morale. Alla sua figura è assegnato il ruolo di soggetto «eticamente incontestabile», il che influenza fondamentalmente le proporzioni dell'intera storia. Alla sua luce, il collezionista R. Runták è presentato in modo unilaterale, come una figura quasi demonizzata di «esecutore-diavolo» il cui passato economico legittimerebbe presumibilmente direttamente l'interpretazione del mondo dell'arte attraverso il prisma dell'artwashing.
Questa riduzione è problematica da diversi punti di vista:
- Oscura la pluralità delle motivazioni e delle strutture nell'ambiente dei collezionisti, che in realtà è eterogeneo e richiede un'analisi complessa.
- Crea una binarità moralistica («attivista puro» vs «collezionista corrotto») che non corrisponde ai meccanismi reali del funzionamento dell'economia culturale.
- Ignora la discussione più ampia sull'etica nell'arte, che non può essere equiparata a una sola posizione attivista, per quanto rumorosa.
Ciò che risulta anche problematico è che durante le riprese non era noto – né a me, né, a quanto pare, alla troupe del film – che Epos stesso opera nel settore immobiliare, affitta studi e gestisce vari laboratori, il che lo colloca in una posizione economica significativamente più forte di quanto suggerisca il film. Questo di per sé non è un problema; problematica è la costruzione cinematografica irrealistica che lo presenta come l'unico soggetto «puro», quasi ascetico. Da un punto di vista professionale, tale selettività può essere definita asimmetria narrativa, il che indebolisce la credibilità del film.
Trovo anche particolarmente infelice l'uso di studi messi in scena e stilizzati. Questi rimuovono definitivamente il film dal genere documentario e lo spostano in una posizione ibrida di «docu-fiction». L'ibridità in sé non è un problema (è oggi un approccio artistico del tutto legittimo), ma qui è usata in modo non del tutto riflessivo e porta tratti di melodrammatismo lirico che disturba la coerenza dell'opera e impedisce una lettura chiara.
Altri protagonisti – Olga Trčková, Zdeněk Sklenář o René Rohan – rappresentano temi autonomi che richiederebbero un'analisi più dettagliata della rappresentazione del settore delle gallerie, del potere istituzionale e delle politiche culturali, cosa che il film suggerisce ma non articola.
In conclusione, il film avrebbe potuto risultare significativamente meglio nel contesto della pratica artistica locale se avesse rispettato di più la sua logica interna, le sue gerarchie, la sua etica professionale e la sua stratificazione sociale. Tuttavia, può rappresentare una certa visione del segmento dell'arte contemporanea per un pubblico più ampio, sebbene fortemente gravata dal quadro interpretativo del regista. Se venissero realizzati più lungometraggi sull'arte qui – con diverse prospettive, metodi e ambizioni – le loro testimonianze potrebbero completarsi a vicenda e permettere una discussione veramente pluralistica e professionalmente fondata.
