Jiří David es una de las personalidades más destacadas de la escena visual checa. Cofundador del legendario grupo Tvrdohlaví, creador del corazón de neón sobre el Castillo de Praga y pedagogo que formó generaciones de artistas checos. Este año cumplirá setenta.
¿Cómo se encuentra estos días? ¿En qué está trabajando actualmente?
Gracias por preguntar, estoy en proporción a mi edad, es decir, de manera óptima, todavía funciona. Estoy terminando mi última gran serie de pinturas al óleo, de las cuales una cuarta parte se exhibirá en mayo en la Galería Špála. También estoy preparando una exposición para principios de julio en una galería en Karlovy Vary.
¿De qué tratarán estas nuevas pinturas?
Será una serie de óleos sobre lienzo, completamente diferente de mi exposición Rostros en Hluboká. Colores muy intensos, sensualidad y motivos completamente simples que fueron emergiendo gradualmente durante el proceso artístico. No esbocé ni preparé nada de antemano.
En nuestra entrevista de 2003, hablamos sobre la motivación para crear. Usted dijo: «En primer lugar, me divierte. Y en segundo lugar, tengo la sensación de que con el arte visual soy capaz de comunicar algo que no sé expresar de otra manera.» ¿Ha cambiado su perspectiva sobre por qué los jóvenes de hoy quieren crear arte? ¿Y a usted mismo todavía le divierte y le emociona?
Sí, estas siguen siendo algunas de las motivaciones esenciales para mi trabajo en el estudio, o incluso fuera de él. Sigue siendo una gran aventura en la búsqueda, en no repetirse. Por eso es a menudo también una gran lucha, a veces desesperación y rabia, luego alegría y emoción.
En 2003, acababa de llegar a la UMPRUM y decía que estaba «conociendo» a los estudiantes y buscando una plataforma donde pudieran encontrarse. Al final, enseñó en la UMPRUM durante más de 15 años antes de irse en 2020. ¿Cómo percibe hoy, con perspectiva, ese capítulo pedagógico? ¿Y echa de menos la enseñanza?
Bueno, para ser honesto, no dejé la UMPRUM del todo voluntariamente, pero eso llevaría mucho tiempo explicar. Al principio, naturalmente lo echaba de menos, pero ya no hoy. Es difícil evaluarse a uno mismo incluso con perspectiva. Pero quizás es revelador que muchos de mis estudiantes (nuestros, porque mi colega y asistente Milan Salák jugó un papel esencial) no se han perdido en la escena visual checa y muchos son ahora ellos mismos profesores en escuelas de arte por todo el país.
En aquel entonces, criticaba que el arte checo se cierra en sí mismo, se forman guetos y la sociedad percibe a los artistas como elitistas. ¿Han evolucionado las cosas?
En esto tampoco ha cambiado mucho, tiene contornos ligeramente diferentes, pero fundamentalmente es lo mismo. Quizás así debe ser, no lo sé.
Decía que cancelaba proyectos ansiosamente cuando descubría que algo similar ya existía. En la era de la IA y el smog visual infinito – ¿es todavía posible ser original? ¿Cuál es su relación con la IA?
Sigo percibiendo la originalidad como huellas dactilares únicas. Es decir, algo muy personal, quizás incluso con defectos. La IA aún no sabe hacer eso muy bien en el campo del arte vivo, y todavía se nota. En el campo de la pintura manual, realmente seguirá así por un tiempo. Indudablemente, en el área del diseño, la gráfica utilitaria y comercial, pero también la arquitectura, la fotografía y el video, las cosas irán mucho más rápido a través de la IA y estas áreas serán desplazadas por la IA, o más bien las personas serán desplazadas de ellas. Personalmente, actualmente uso módulos de texto de IA para buscar correcciones gramaticales o estilísticas, para pequeñas traducciones rápidas o algunas preguntas técnicas.
Es conocido por negarse a publicar sus pinturas en Internet – según usted, la pantalla aplana la experiencia visual. Sin embargo, como artista es muy activo en Facebook, escribe para Lidové noviny, Aktuálně y otros medios. Tiene una cuenta de Instagram, pero desde agosto de 2024 solo sigue a 180 personas. ¿Cuál es realmente su relación con el mundo en línea?
Sí, eso continúa, precisamente por estas razones. Por supuesto, no se pueden evitar situaciones donde aparecen fotos de instalaciones de exposiciones en las redes. Desde el estudio, fundamentalmente no publico mis cuadros pintados. Sin embargo, no escribo para ningún medio, solo en Aktuálně.cz donde tengo mi blog, pero incluso ese ahora está pre-vigilado, así que aunque es mío, está sujeto a la corrección y aprobación de su redacción. Así que mis textos ya no aparecen muy libremente allí. Uso FB regularmente para la comunicación, porque mis textos no pueden ir a ningún otro lugar. Uso Instagram muy esporádicamente, básicamente no me interesa, no lo miro, solo publico algo al azar aproximadamente una vez al mes. Ese es mi mundo en línea, y según mi esposa, ya es demasiado.
El mundo en línea devora nuestro tiempo y atención de manera sin precedentes. Pero usted se estableció antes de la difusión masiva de Internet. ¿Cuáles eran entonces para usted los elementos más efectivos en su carrera? ¿Encuentros personales con un buen galerista? ¿O recuerda un momento en que Internet ayudó a su carrera? Hoy la situación es diferente y los artistas y sus obras pueden ser descubiertos y brillar incluso desde periferias geográficas correctamente conectadas a la atención en línea.
No sé cómo responder de manera pertinente. Siempre es una especie de coincidencia, pero eso está relacionado con la intensidad y la fe en el propio trabajo. Nosotros estuvimos en el nacimiento de las primeras galerías privadas después de 1989, así que simplemente éramos su familia, nos reuníamos en encuentros regulares, discutíamos, nos percibíamos mutuamente e intentábamos mostrar al otro en qué éramos buenos o diferentes. Así nacían las exposiciones individuales y a veces también el interés de los coleccionistas (más tarde). Por cierto, nunca lo hicimos a priori para ninguna colección. Quizás las redes reemplazan eso hoy (?!), pero para mí son demasiado impersonales, frías, sin emociones, universales. Ciertamente, algún tipo de medio lo soporta y lo presenta mejor, pero eso me pasa de largo. No es que no lo perciba, pero en realidad me aburre. Probablemente también hay «cazadores» en estas redes que cazan en otros territorios y les gusta. No lo sé. (...) Quien realmente colecciona arte con interés sincero, pero también con dinero, no le importan los likes en absoluto.
En 2003, nuestro artículo hacía referencia a su dominio de entonces jiri-david.cz. Hoy no está disponible y parece estar en venta. ¿Qué pasó, abandonó el dominio con su nombre?
Cancelé el sitio web hace mucho tiempo (describí las razones arriba), por lo tanto también ese dominio, y pensé estúpidamente, como veo ahora, que desaparecería automáticamente. ¿Entonces un dominio no se puede destruir?
Un dominio no desaparece por sí solo. Las colecciones y fondos de inversión de arte contemporáneo tienen sus asesores expertos. ¿Ha asesorado alguna vez a alguno de ellos sobre en quién invertir? ¿Cómo funciona esto hoy en la práctica checa? ¿Y qué pasa con los coleccionistas extranjeros – se interesan por la escena checa o solo por las joyas que las galerías les llevan a las grandes ferias?
No, nunca, nunca he asesorado a nadie así, ni he estado en contacto con ellos. Quizás algún coleccionista privado me ha preguntado a veces qué pienso de tal o cual persona, y probablemente le di una respuesta personal sin compromiso. Así que no sé cómo funciona en la práctica, solo puedo especular. Los coleccionistas extranjeros básicamente todavía no se interesan por la escena visual contemporánea checa. Y si lo hacen, es solo esporádicamente por ciertos individuos que alguien les muestra, por ejemplo en alguna feria de arte, etc.
Existen artistas activos que también asesoran a grandes colecciones privadas y fondos. En su rol de filtro o selector de autores y obras destinadas a la compra, se presentan varios tipos posibles de conflictos de interés (pueden perjudicar a la competencia para sí mismos o para sus «caballos», adquirir poder que potencialmente puede ser abusado, etc.). ¿Qué opina de esto?
No creo que sea particularmente dañino, porque el mercado del arte local está tan cerrado en sí mismo que no puede realmente ser descalificado por esto. Sin embargo, es algo obvio que si alguien entre los artistas activos hace esto por pago – y realmente no conozco a tal persona, pero probablemente existen (?) – entonces puede influir algo en algún lugar. Pero ningún poder real surge de esto, y si lo hay, es solo el poder local marginal.
Este año cumplirá setenta. ¿Qué mensaje daría a los jóvenes artistas en su camino hacia la felicidad?
Una sonrisa, nada sorprendente – simplemente creer en lo que uno hace, no tratar de estar «in» a toda costa, pero al mismo tiempo saber qué está pasando en el mundo y especialmente saber qué contiene la memoria del arte mismo. Luego es solo trabajo continuo de por vida, por el cual nadie pondrá su mano en el fuego por ti.
Gracias por la entrevista. (A continuación encontrará la crítica de la nueva película ¿Vale la pena?, de la cual Jiří David es uno de los protagonistas y cuyo tema está relacionado con nuestra entrevista.)
Jiří David: Crítica de la película ¿Vale la pena?
La película ¿Vale la pena? sin duda merece una evaluación crítica – pero no en la forma en que hoy la presentan quienes, o bien no tienen una comprensión profunda de los mecanismos y la economía del mundo del arte y adoptan mecánicamente atajos ideológicos de moda, o bien saben lo suficiente pero refuerzan deliberadamente los estereotipos de tendencia actuales. Según la información disponible, la película estuvo en producción durante casi siete años. En un horizonte de desarrollo tan largo y no anclado, es extraordinariamente difícil mantener la unidad dramatúrgica, la consistencia del marco interpretativo y la estabilidad contextual – un problema conocido desde hace tiempo en la producción documental, especialmente para películas que siguen entornos sociales cambiantes. El director Jan Strejcovský sin duda intentó una unificación, pero el material tendía por naturaleza hacia la fragmentación.
Considero la inclusión de un joven artista emergente que actúa bajo el seudónimo «Dante» como un error dramatúrgico fundamental. Su presencia no aporta impulsos nuevos, inesperados, estéticamente o interpretativamente relevantes al testimonio de la película. Desde la perspectiva de la dramaturgia cinematográfica, que debería (especialmente en un documental sobre un entorno profesional) basarse en una selección representativa y al mismo tiempo diferenciada, es una elección problemática. En el contexto de la práctica artística contemporánea, su participación actúa como un elemento disruptivo que deforma el mapa de valores implícito de la película.
En cuanto al formato documental en sí, hay que subrayar de nuevo lo que confirma hoy la teoría del cine documental (desde Bill Nichols hasta Stella Bruzzi): no existe un documento «puro» o «neutral». Todo documental es una forma de construcción, montaje e interpretación de la realidad. La manipulación no es un defecto sino una característica inmanente del medio. Lo que importa es el grado de reflexividad y transparencia de esta manipulación. Sin embargo, ¿Vale la pena? refleja solo mínimamente su construcción y más bien da la impresión de una mirada objetiva. En realidad, es una narrativa de autor – un objeto artístico presentado como testimonio documental.
La estructura de montaje de la película, basada en una superposición temporal significativa, a veces desplaza o cambia los significados de las declaraciones individuales. Para el espectador no familiarizado con la sociología de la práctica artística (el concepto de «art worlds» de Howard Becker o las especificidades locales de las estructuras de subvenciones, galerías y coleccionistas), la película se vuelve difícil de leer, casi impenetrable. Esta falta de anclaje lleva a los espectadores profanos más bien hacia la estereotipación, mientras que a los iniciados necesariamente les faltan correctivos expertos – marcos contextuales que darían a las declaraciones una dimensión profesional y de valor clara.
La posición dominante en la película la ocupa el artista activista Epos 257, quien es presentado – no solo por la perspectiva del director, sino principalmente por su propio comportamiento performativo – como un árbitro moral. A su figura se le asigna el rol de sujeto «éticamente incuestionable», lo que afecta fundamentalmente las proporciones de toda la historia. A su luz, el coleccionista R. Runták es presentado de manera unilateral, como una figura casi demonizada de «ejecutor-diablo» cuyo pasado económico supuestamente legitimaría directamente la interpretación del mundo del arte a través del prisma del artwashing.
Esta reducción es problemática desde varios aspectos:
- Oscurece la pluralidad de motivaciones y estructuras en el entorno de los coleccionistas, que en realidad es heterogéneo y requiere un análisis complejo.
- Crea una binaridad moralista («activista puro» vs «coleccionista corrupto») que no corresponde a los mecanismos reales del funcionamiento de la economía cultural.
- Ignora la discusión más amplia sobre la ética en el arte, que no puede equipararse con una sola posición activista, por muy ruidosa que sea.
Lo que también resulta problemático es que durante el rodaje no se sabía – ni por mí, ni, al parecer, por el equipo de la película – que Epos mismo opera en el sector inmobiliario, alquila estudios y gestiona varios talleres, lo que lo coloca en una posición económica significativamente más fuerte de lo que sugiere la película. Esto en sí no es un problema; lo problemático es la construcción cinematográfica irreal que lo presenta como el único sujeto «puro», casi ascético. Desde un punto de vista profesional, tal selectividad puede llamarse asimetría narrativa, lo que debilita la credibilidad de la película.
También encuentro particularmente desafortunado el uso de estudios escenificados y estilizados. Estos definitivamente sacan a la película del género documental y la desplazan a una posición híbrida de «docu-ficción». La hibridez en sí no es un problema (es hoy un enfoque artístico completamente legítimo), pero aquí se usa de manera no del todo reflexiva y lleva rasgos de melodrama lírico que perturba la coherencia de la obra e impide una lectura clara.
Otros protagonistas – Olga Trčková, Zdeněk Sklenář o René Rohan – representan temas autónomos que requerirían un análisis más detallado de la representación del sector de galerías, el poder institucional y las políticas culturales, lo que la película sugiere pero no articula.
En conclusión, la película podría haber resultado significativamente mejor en el contexto de la práctica artística local si hubiera respetado más su lógica interna, sus jerarquías, su ética profesional y su estratificación social. Sin embargo, puede representar una cierta visión del segmento del arte contemporáneo para un público más amplio, aunque fuertemente cargada por el marco interpretativo del director. Si se hicieran más largometrajes sobre arte aquí – con diferentes perspectivas, métodos y ambiciones – sus testimonios podrían complementarse y permitir una discusión verdaderamente pluralista y profesionalmente fundamentada.
