Jiří David é uma das personalidades mais significativas da cena visual checa. Cofundador do lendário grupo Tvrdohlaví, criador do coração de néon sobre o Castelo de Praga e pedagogo que formou gerações de artistas checos. Este ano fará setenta anos.
Como está nestes dias? Em que está a trabalhar atualmente?
Obrigado por perguntar, estou proporcionalmente à minha idade, portanto de forma ótima, ainda funciona. Estou a terminar a minha última grande série de pinturas a óleo, das quais um quarto será exposto em maio na Galeria Špála. Também estou a preparar uma exposição para o início de julho numa galeria em Karlovy Vary.
De que tratarão estas novas pinturas?
Será uma série de óleos sobre tela, completamente diferente da minha exposição Rostos em Hluboká. Cores muito intensas, sensualidade e motivos completamente simples que foram emergindo gradualmente durante o processo artístico. Não esbocei nem preparei nada antecipadamente.
Na nossa entrevista de 2003, falámos sobre a motivação para criar. O senhor disse: «Em primeiro lugar, diverte-me. E em segundo lugar, tenho a sensação de que com a arte visual sou capaz de comunicar algo que não sei expressar de outra forma.» A sua perspetiva mudou sobre por que os jovens de hoje querem criar arte? E o senhor mesmo ainda se diverte e entusiasma?
Sim, estas continuam a ser algumas das motivações essenciais para o meu trabalho no estúdio, ou mesmo fora dele. Continua a ser uma grande aventura na procura, em não me repetir. Por isso é muitas vezes também uma grande luta, às vezes desespero e raiva, depois alegria e entusiasmo.
Em 2003, tinha acabado de chegar à UMPRUM e dizia que estava a «descobrir» os estudantes e a procurar uma plataforma onde se pudessem encontrar. No final, ensinou na UMPRUM durante mais de 15 anos antes de sair em 2020. Como percebe hoje, em retrospetiva, esse capítulo pedagógico? E sente falta do ensino?
Bem, para ser honesto, não saí da UMPRUM totalmente voluntariamente, mas isso levaria muito tempo a explicar. No início, naturalmente sentia falta, mas hoje já não. É difícil avaliar-se a si mesmo mesmo em retrospetiva. Mas talvez seja revelador que muitos dos meus estudantes (nossos, porque o meu colega e assistente Milan Salák teve um papel essencial) não se perderam na cena visual checa e muitos são agora eles próprios professores em escolas de arte por todo o país.
Na altura, criticava que a arte checa se fecha em si mesma, formam-se guetos e a sociedade percebe os artistas como elitistas. As coisas evoluíram?
Nisto também não mudou muito, tem contornos ligeiramente diferentes, mas fundamentalmente é assim. Talvez deva ser assim, não sei.
Dizia que cancelava ansiosamente projetos quando descobria que algo semelhante já existia. Na era da IA e do smog visual infinito – ainda é possível ser original? Qual é a sua relação com a IA?
Continuo a perceber a originalidade como impressões digitais únicas. Portanto, algo muito pessoal, talvez mesmo com defeitos. A IA ainda não sabe fazer isso muito bem no campo da arte viva, e ainda se nota. No campo da pintura manual, realmente vai continuar assim por mais algum tempo. Indubitavelmente, na área do design, da gráfica utilitária e comercial, mas também da arquitetura, fotografia e vídeo, as coisas irão muito mais rápido através da IA e estas áreas serão suplantadas pela IA, ou melhor, as pessoas serão expulsas delas. Pessoalmente, atualmente uso módulos de texto de IA para procurar correções gramaticais ou estilísticas, para pequenas traduções rápidas ou algumas questões técnicas.
É conhecido por recusar publicar as suas pinturas na Internet – segundo o senhor, o ecrã achata a experiência visual. No entanto, como artista é muito ativo no Facebook, escreve para Lidové noviny, Aktuálně e outros média. Tem uma conta no Instagram, mas desde agosto de 2024 segue apenas 180 pessoas. Qual é afinal a sua relação com o mundo online?
Sim, isso continua, precisamente por estas razões. Claro, não se podem evitar situações em que aparecem fotos de instalações de exposições nas redes. Do estúdio, fundamentalmente não publico os meus quadros pintados. No entanto, não escrevo para nenhum média, apenas no Aktuálně.cz onde tenho o meu blog, mas mesmo esse é agora pré-monitorizado, portanto embora seja meu, está sujeito à correção e aprovação da redação deles. Então os meus textos já não aparecem muito livremente lá. Uso o FB regularmente para comunicação, porque os meus textos não podem ir para mais lado nenhum. Uso o Instagram muito esporadicamente, basicamente não me interessa, não olho para ele, apenas ponho algo ao acaso aproximadamente uma vez por mês. Este é o meu mundo online, e segundo a minha mulher, já é demasiado.
O mundo online devora o nosso tempo e atenção de forma sem precedentes. Mas o senhor estabeleceu-se antes da difusão massiva da Internet. O que eram então para si os elementos mais eficazes na carreira? Encontros pessoais com um bom galerista? Ou lembra-se de um momento em que a Internet ajudou a sua carreira? Hoje a situação é diferente e os artistas e as suas obras podem ser descobertos e brilhar mesmo de periferias geográficas corretamente conectadas à atenção online.
Não sei como responder de forma pertinente. É sempre uma espécie de coincidência, mas isso está relacionado com a intensidade e a fé no próprio trabalho. Nós estivemos no nascimento das primeiras galerias privadas depois de 1989, então éramos simplesmente a família delas, encontrávamo-nos em reuniões regulares, discutíamos, percecionávamo-nos mutuamente e tentávamos mostrar ao outro em que éramos bons ou diferentes. Assim nasciam as exposições individuais e às vezes também o interesse dos colecionadores (mais tarde). Aliás, nunca o fizemos a priori para nenhuma coleção. Talvez as redes substituam isso hoje (?!), mas para mim são demasiado impessoais, frias, sem emoções, universais. Certamente, um certo tipo de média suporta e apresenta isso melhor, mas isso passa-me ao lado. Não é que não perceba, mas na verdade aborrece-me. Provavelmente também há «caçadores» nestas redes que caçam noutros territórios e gostam disso. Não sei. (...) Quem realmente coleciona arte com interesse sincero, mas também com dinheiro, não se importa nada com os likes.
Em 2003, o nosso artigo fazia referência ao seu domínio de então jiri-david.cz. Hoje não está disponível e parece estar à venda. O que aconteceu, abandonou o domínio com o seu nome?
Cancelei o website há muito tempo (descrevi as razões acima), portanto também esse domínio, e pensava estupidamente, como vejo agora, que desapareceria automaticamente. Então um domínio não pode ser destruído?
Um domínio não desaparece por si só. As coleções e fundos de investimento de arte contemporânea têm os seus consultores especializados. Aconselhou alguma vez algum deles sobre em quem investir? Como funciona isto hoje na prática checa? E quanto aos colecionadores estrangeiros – interessam-se pela cena checa ou apenas pelas pérolas que as galerias lhes levam às grandes feiras?
Não, nunca, nunca aconselhei ninguém assim, nem estive em contacto com eles. Talvez algum colecionador privado me tenha perguntado às vezes o que penso sobre esta ou aquela pessoa, e provavelmente dei-lhe uma resposta pessoal sem compromisso. Portanto não sei como funciona na prática, só posso especular. Os colecionadores estrangeiros basicamente ainda não se interessam pela cena visual contemporânea checa. E se o fazem, é apenas esporadicamente por certos indivíduos que alguém lhes mostra, por exemplo numa feira de arte, etc.
Existem artistas ativos que também aconselham grandes coleções privadas e fundos. No seu papel de filtro ou seletor de autores e obras destinadas à compra, apresentam-se vários tipos possíveis de conflitos de interesse (podem prejudicar a concorrência para si próprios ou para os seus «cavalos», adquirir poder que potencialmente pode ser abusado, etc.). O que pensa disto?
Não acho que seja particularmente prejudicial, porque o mercado de arte local é tão fechado em si mesmo que não pode realmente ser desqualificado por isto. No entanto, é de certa forma óbvio que se alguém entre os artistas ativos faz isto a pagamento – e realmente não conheço tal pessoa, mas provavelmente existem (?) – então pode influenciar algo nalgum lugar. Mas nenhum poder real deriva disto, e se houver, é apenas o poder local marginal.
Este ano fará setenta anos. Que mensagem daria aos jovens artistas no seu caminho para a felicidade?
Um sorriso, nada surpreendente – simplesmente acreditar no que se faz, não tentar estar «in» a todo o custo, mas ao mesmo tempo saber o que está a acontecer no mundo e especialmente saber o que contém a própria memória da arte. Depois é apenas trabalho contínuo para toda a vida, pelo qual ninguém porá a mão no fogo por ti.
Obrigado pela entrevista. (Abaixo encontrará a crítica do novo filme Vale a pena?, do qual Jiří David é um dos protagonistas e cujo tema está relacionado com a nossa entrevista.)
Jiří David: Crítica do filme Vale a pena?
O filme Vale a pena? merece sem dúvida uma avaliação crítica – mas não na forma em que hoje o apresentam aqueles que, ou não têm uma compreensão profunda dos mecanismos e da economia do mundo da arte e adotam mecanicamente atalhos ideológicos da moda, ou sabem o suficiente mas reforçam deliberadamente os estereótipos de tendência atuais. Segundo as informações disponíveis, o filme esteve em produção durante quase sete anos. Num horizonte de desenvolvimento tão longo e não ancorado, é extraordinariamente difícil manter a unidade dramatúrgica, a consistência do quadro interpretativo e a estabilidade contextual – um problema conhecido há muito na produção documental, especialmente para filmes que seguem ambientes sociais em mudança. O realizador Jan Strejcovský sem dúvida tentou uma unificação, mas o material tendia por natureza para a fragmentação.
Considero a inclusão de um jovem artista emergente que atua sob o pseudónimo «Dante» um erro dramatúrgico fundamental. A sua presença não traz impulsos novos, inesperados, esteticamente ou interpretativamente relevantes ao testemunho do filme. Do ponto de vista da dramaturgia cinematográfica, que deveria (especialmente num documentário sobre um ambiente profissional) basear-se numa seleção representativa e ao mesmo tempo diferenciada, é uma escolha problemática. No contexto da prática artística contemporânea, a sua participação atua como um elemento perturbador que deforma o mapa de valores implícito do filme.
Quanto ao formato documental em si, é preciso sublinhar novamente o que a teoria do filme documental confirma hoje (de Bill Nichols a Stella Bruzzi): não existe um documento «puro» ou «neutro». Todo documentário é uma forma de construção, montagem e interpretação da realidade. A manipulação não é um defeito mas uma característica imanente do medium. O que importa é o grau de reflexividade e transparência desta manipulação. No entanto, Vale a pena? reflete apenas minimamente a sua construção e dá antes a impressão de um olhar objetivo. Na realidade, trata-se de uma narrativa de autor – um objeto artístico apresentado como testemunho documental.
A estrutura de montagem do filme, baseada numa sobreposição temporal significativa, por vezes desloca ou muda os significados das declarações individuais. Para o espetador não familiarizado com a sociologia da prática artística (o conceito de «art worlds» de Howard Becker ou as especificidades locais das estruturas de subsídios, galerias e colecionadores), o filme torna-se difícil de ler, quase impenetrável. Esta falta de ancoragem leva os espetadores leigos mais para a estereotipização, enquanto aos iniciados faltam necessariamente corretivos especializados – quadros contextuais que dariam às declarações uma dimensão profissional e de valor clara.
A posição dominante no filme é ocupada pelo artista ativista Epos 257, que é apresentado – não apenas pela perspetiva do realizador, mas principalmente pelo seu próprio comportamento performativo – como um árbitro moral. À sua figura é atribuído o papel de sujeito «eticamente inquestionável», o que afeta fundamentalmente as proporções de toda a história. À sua luz, o colecionador R. Runták é apresentado de forma unilateral, como uma figura quase demonizada de «executor-diabo» cujo passado económico supostamente legitimaria diretamente a interpretação do mundo da arte através do prisma do artwashing.
Esta redução é problemática de vários pontos de vista:
- Obscurece a pluralidade de motivações e estruturas no ambiente dos colecionadores, que na realidade é heterogéneo e requer uma análise complexa.
- Cria uma binaridade moralista («ativista puro» vs «colecionador corrupto») que não corresponde aos mecanismos reais do funcionamento da economia cultural.
- Ignora a discussão mais ampla sobre a ética na arte, que não pode ser equiparada a uma única posição ativista, por muito ruidosa que seja.
O que também se revela problemático é que durante as filmagens não era conhecido – nem por mim, nem, ao que parece, pela equipa do filme – que o próprio Epos opera no setor imobiliário, aluga estúdios e gere várias oficinas, o que o coloca numa posição económica significativamente mais forte do que o filme sugere. Isto em si não é um problema; problemática é a construção cinematográfica irrealista que o apresenta como o único sujeito «puro», quase ascético. De um ponto de vista profissional, tal seletividade pode ser chamada de assimetria narrativa, o que enfraquece a credibilidade do filme.
Também considero particularmente infeliz o uso de estudos encenados e estilizados. Estes removem definitivamente o filme do género documental e deslocam-no para uma posição híbrida de «docu-ficção». A hibridez em si não é um problema (é hoje uma abordagem artística completamente legítima), mas aqui é usada de forma não totalmente refletida e carrega traços de melodramatismo lírico que perturba a coerência da obra e impede uma leitura clara.
Outros protagonistas – Olga Trčková, Zdeněk Sklenář ou René Rohan – representam temas autónomos que requereriam uma análise mais detalhada da representação do setor das galerias, do poder institucional e das políticas culturais, o que o filme sugere mas não articula.
Em conclusão, o filme poderia ter resultado significativamente melhor no contexto da prática artística local se tivesse respeitado mais a sua lógica interna, as suas hierarquias, a sua ética profissional e a sua estratificação social. No entanto, pode representar uma certa visão do segmento da arte contemporânea para um público mais amplo, embora fortemente carregada pelo quadro interpretativo do realizador. Se fossem feitos mais longas-metragens sobre arte aqui – com diferentes perspetivas, métodos e ambições – os seus testemunhos poderiam complementar-se e permitir uma discussão verdadeiramente pluralista e profissionalmente fundamentada.
